MaDame Lumière

MaDame Retrospectiva : Top 5 Diretores 2011 - Cinema Nacional

2012-01-28T23:57:00.002-02:00

As canções, por Eduardo Coutinho merece muitas honras!

Em uma categoria concorridíssima e de dificil eleição, esta foi a mais desafiadora na retrospectiva do Cinema Nacional do blog, o que é uma prova de que nossos diretores são talentosos e têm realizado excelentes trabalhos. Madame Lumière gostaria de parabenizar todos os diretores brasileiros que engradeceram o Cinema Nacional em 2011 como os trabalhos de Marcos Dutra & Juliana Rojas em Trabalhar Cansa, Toniko Mello em Vips, Rosane Svartman em Desenrola, Marcus Baldini em Bruna Surfistinha, André Ristum em Meu País, Claudio Torres em O homem do futuro, Sérgio Borges em O Céu sobre os ombros, entre outros.

5 - João Jardim, por Amor?

"Uma direção que harmoniza a ficção e o documental, a poesia do visual com a realidade crua dos relatos, a bela fotografia com a consistente interpretação dos atores."

4 - Eryk Rocha, por Transeunte

"Uma direção que transita entre o intimismo, a solidão e a introspecção de um protagonista e a velocidade da vida urbana. O belo olhar de um cineasta sobre a modernidade de homens anônimos."

3 - Gustavo Pizzi, por Riscado

"Uma direção bem conjugada com o roteiro e com a direção de atores. Trabalha a favor de um filme de momentos visuais únicos que celebram o amor pelo trabalho de uma atriz, pelo cinema, pela Arte e não se distancia dos desafios dessa dura realidade."

2 - Jeferson De, por Bróder

"Uma direção que demonstra identidade e afeto. De forma consistente e muito focada, o talentoso cineasta demonstra que sabe contar uma história afetuosa de família e de amigos e realiza uma ótima direção de atores na qual uma protagonista resplandece: a periferia de São Paulo."

1 - Selton Mello, por O Palhaço

"Uma direção completa que reune e maximiza a beleza de vários elementos e a catártica temática da crise da identidade de um palhaço. Do roteiro a fotografia, do elenco a direção de arte, o diretor demonstra um trabalho maduro e consistente que emociona com o riso e com as lágrimas."

Menção Honrosa

Eduardo Coutinho, por Canções

"Com as canções, o cineasta emociona atráves da música e de relatos marcantes de pessoas que tem histórias por trás das canções. Uma direção experiente que conduz o documentário de forma espontânea como deve ser e tão emocionante como o cinema é capaz."

MaDame Retrospectiva : Top 5 Roteiros 2011 - Cinema Nacional

2012-01-23T22:42:00.026-02:00

5 -Newton Cannito e Jeferson De, Bróder

"Roteiro bem estruturado de forma a valorizar os laços familiares e de amizade, os diferentes destinos de 3 amigos, a periferia de SP, a questão da identidade e o afeto. Conciso e amoroso!"

4 -Eryk Rocha e Manuela Dias, Transeunte

"Roteiro que se destaca pelo intimismo de um cotidiano solitário e instrospectivo de tantos anônimos urbanos, o que traz à experiência cinematográfico a dicotomia de que homem é uma ilha em uma selva urbana."

3 -Claudio Torres, O homem do futuro

"Roteiro que harmoniza bem romance, ficção científica e comédia, com um toque criativo e de nostalgia, que é contagiante e cativante. Diverte e seduz pela bela história de amor!"

2 -Gustavo Pizzi e Karine Teles, Riscado

"Roteiro que evoca e favorece a proposta da narrativa. Trabalha a favor da protagonista, uma atriz em sua jornada desafiadora de atriz. Momentos espontâneos, simples e sublimes como o Cinema deve ter."

1 -Selton Mello e Marcelo Vindicatto, O Palhaço

"Um roteiro que é o casamento perfeito com a direção do filme, em uma bela sinergia que emociona o público através de risos e melancólicos olhares e silêncios. Também se destaca pela forma como apresenta a necessária necessidade de 'cair no mundo' e ter uma crise de identidade para se encontrar na vida."

MaDame Retrospectiva : Top 5 Atrizes 2011 - Cinema Nacional

2012-01-22T15:08:00.037-02:00

5 - Cassia Kiss, Bróder

"Mesmo em papéis coadjuvantes, a atriz é uma titã na interpretação em poucos planos. Como uma humilde mãe da periferia de São Paulo, mulher batalhadora e amorosa, ela traz o afeto que o filme evoca."

4 - Everlyn Barbin, O céu sobre os ombros

"Excelente presença na ficção documental de Sergio Borges, a atriz demonstra ao público que seu papel nao é um travesti que se prostitui, é de uma muher inteligente, divertida e autoconfiante que eleva a qualidade da película."

3 - Deborah Secco, Bruna Surfistinha

"A atriz aparece madura e concentrada em uma atuação muito mais desafiadora pela frequência e quantidade das cenas de sexo do que pelo personagem em si. Ela consegue atuar bem sem que seu papel caía em escancarada vulgaridade."

2 - Gilda Nomacce, Trabalhar cansa

"Uma atuação coadjuvante marcante que cativa pelo talento como mola principal e a experiência de quem tem uma base teatral. Com esse trabalho, ela entra em cena no cotidiano de um supermercado e fica na memória do Cinema Brasileiro."

1 - Karine Teles, Riscado

"Uma atuação sublime de uma talentosa atriz que vivencia a jornada de uma atriz. No papel de Bianca, ela enfrenta muitos desafios para viver sua própria Arte, em uma entrega apaixonante ao seu trabalho, uma verdadeira declaração de amor."

Menção Honrosa

Julia Lemmertz, Amor?

"Em alguns poucos minutos e, com muita maturidade, a atriz relata um verídico testemunho sobre amor, paixão, sexo, violência psicológica, maternidade, drogas, redenção. Um primor interpretativo em 35 mm!"

MaDame Retrospectiva : Top 5 Atores 2011 - Cinema Nacional

2012-01-21T14:45:00.039-02:00

5 - Wagner Moura, VIPS

" Versatilidade e talento natural na representação de um personagem de variadas nuances que conquista pelo improvável: mentira com carisma."

4 - Caio Blat, Bróder

"Demonstra sua carreira sólida como ator em mais um papel no qual se desnuda para viver a humildade e a tragédia de um jovem da periferia."

3 - Rodrigo Santoro, Meu país

"A seriedade profissional é evidente ao interpretar um homem que emociona por ser irmão, marido e amigo em uma nova realidade familiar que o transforma."

2 - Francisco Bezerra, Transeunte

"Papel contido de expressiva atuação, o ator prova que a instrospecção diz tudo quando os olhos se comunicam com a câmera, com o espectador."

1 - Selton Mello, O Palhaço

"Atuação fronteiriça entre o melancólico e o cômico, entre o carismático e o solitário faz do ator um comovente palhaço do cotidiano."

Menção Honrosa

Moacir Franco, O Palhaço

"Porque ser justo com o espectador de Cinema,
é ser o Delegado justo, esplêndido em sua graça."

MaDame Retrospectiva - Cinema 2011

2012-01-21T14:11:00.017-02:00

Mestre de cerimônias MaDame Lumière apresenta
a Retrospectiva Cinéfila da Blogosfera
com o melhor do Cinema lançado em 2011

Povo cinematográfico, Povo cinéfilo

Bem vindos à Retrospectiva Madame em sua 2º edição.
Dessa vez, com algumas alterações que visam a reconhecer mais
assertivamente o talento do Cinema Nacional com excelentes longas
e documentários, e também simplificar a lista de atores, atrizes e roteiros,
independente se for atuação coadjuvante ou principal, roteiro adaptado ou original.
Nessa retrô, teremos 14 top listas no total distribuídos em 2 categorias: Cinema Nacional e Cinema Estrangeiro, com seguinte estrutura:

Cinema Nacional
Top 5 Atores
Top 5 Atrizes
Top 5 Roteiros
Top 5 Diretores
Top 5 Documentários
Top 5 Filmes Mico do Ano
Top 10 Filmes - Ficção

Cinema Estrangeiro
Top 5 Atores
Top 5 Atrizes
Top 5 Roteiros
Top 5 Diretores
Top 5 Animações
Top 5 Filmes Mico do Ano
Top 10 Filmes - Ficção

No final, para fechar com chave de estúdio de Cinema MaDame Lumiére, uma lista pessoal e comovente.

"2011 foi um Ano de muitas emoções.
O maior presente da minha vida é ter
a dádiva de descobrir o quanto o Cinema
é um espelho de mim mesma que reflete
o que é bom e o que é mal, sem preconceitos,
sempre com autenticidade e com um intenso
prazer de viver a minha própria cinematografia"

Um abraço

MaDame

Cinema: Comentários MaDamísticos sobre 69º Globo de Ouro

2012-01-21T12:30:00.036-02:00

Grande parte dos cinéfilos sabem que Globo de Ouro, promovido pela Associação da imprensa estrangeira de Hollywood, é como um "esquenta" para o Oscar. "Esquenta" até na questão da bebida. As celebridades fazem uma social clássica, afinal ser famoso em Hollywood é também viver de aparências. Eles vestem grandes marcas de luxo que, aliás, não devem nem pagar por isso ao fazerem propaganda de grifes famosas (e não há nada mais brega do que não pagar pela roupa que se usa, quando na verdade se tem dinheiro para isso!). Continuam tomando umas "biritas na faixa", mas não escondem como a festa é um porre e segue o mesmo roteiro. Ok! Apesar de tudo, mesmo com algumas surpresas ou com premiações mais óbvias, o Globo de Ouro abre o primeiro tapete vermelho para que as estrelas que se destacaram possam desfilar o seu brilho. A festa continua sendo salva pelo humor sarcástico de Rick Gervais que, dessa vez, ficou ligeiramente mais discreto mas não deixou de colocar um ácido em comentários sobre atrizes e atores. A cerimônia continua muito longa e acaba se tornando aborrecedora quando o espectador já está com vontade de dormir para trabalhar na segunda-feira, afinal, não se ganha um cache Hollywoodiano, somos simples mortais. Não podemos esquecer que, é claro, há as ausências ou micos clássicos da noite como as ausências de Woody Allen e Ryan Gosling, os óculos esquecidos na mesa por Meryl Streep antes de seu discurso, o envelope que Juliane Moore deve ter deixado em algum lugar, a cantadinha de Morgan Freeman em Helen Mirren, a esposa do ator Juan Dujardin com o celular na mão tirando fotos ou filmando o seu amor Francês. Em resumo, acontece de tudo no Globo de Ouro e, ainda assim, é uma premiação previsível.

Clap clap Master Scorsese, você arrasa!

Pois é, no último domingo, algumas previsões se confirmaram como a vitória do filme P&B mudo, O Artista, que abocanhou melhor filme - comédia musical, reconheceu o Francês bonitão carismático Juan Dujardin como melhor ator de comédia e ganhou a trilha sonora, a força total da Dama do Cinema, Meryl Streep, que ganhou como melhor atriz - drama como A Dama de Ferro, o favorito e sempre "bem na fita" George Clooney como melhor ator - drama por Os Descendentes. Confirmando as previsões, Michelle Williams ganhou o melhor atriz coadjuvante - comédia ou musical por atuar como a diva Marilyn Monroe e Separação, longa Iraniano, como melhor filme em língua estrangeira, com grande potencial para ganhar o Oscar na mesma categoria. Na direção, Martin Scorsese foi a surpresa boa da noite. Embora seja um titã na direção, sob o ponto de vista da premiação, não era tão esperado que ganhasse como melhor diretor pela Invenção de Hugo Cabret, mas ele sempre merece qualquer prêmio, e a idéia de dirigir o filme veio da filha, que leu o clássico livro quando pequena. Existe pai cinematográfico mais lindo do que Scorsese? Alexander Payne ganhou melhor filme drama por Os descendentes, o que indica que o longa será competitivo no Oscar. Felizmente, Woody Allen ganhou o prêmio de melhor roteiro pelo ótimo Meia Noite em Paris, Steven Spielberg garantiu o troféu de melhor animação por As aventuras de Tintim - O segredo do Licorne e Madonna ganhou melhor canção com W.E -Masterpiece, seu próprio filme.

No geral, embora muitas vitórias foram merecidas, a premiação atirou para todos os lados para agradar a todos, ou seja, fizeram a política da boa vizinhança, mas há um excepcional benefício nesta premiação: reconhecer o longa O Artista, que quebra o paradigma do Cinema Moderno, ou seja, é feito a partir de uma homenagem nostálgica ao Cinema Mudo em P&B, uma honrosa metalinguagem com a sétima Arte, com pano de fundo de uma história de amor que, se for reconhecida no Oscar, sinaliza ao mundo que é possível retornar às origens deste amor cinematográfico e que o Cinema Falado não é o crème de la crème. Cinema é som e imagem, em sintonia, mas as imagens dizem tudo quando as palavras faltam para exprimir emoções.

Juan Dujardin: carisma de alto nível

Confira a lista de ganhadores do Globo de Ouro 2012:

Melhor filme - drama: "Os Descendentes"
Melhor filme - comédia ou musical: "The Artist"
Melhor diretor: Martin Scorsese, "A Invenção de Hugo Cabret"
Melhor ator - drama: George Clooney, "Os Descendentes"
Melhor atriz - drama: Meryl Streep, "A Dama de Ferro"
Melhor ator - comédia ou musical: Jean Dujardin, "The Artist"
Melhor atriz - comédia ou musical: Michelle Williams, "Sete Dias com Marilyn"
Melhor ator coadjuvante: Christopher Plummer, "Toda Forma de Amor"
Melhor atriz coadjuvante: Octavia Spencer, "Histórias Cruzadas"
Melhor roteiro: "Meia-Noite em Paris"
Melhor animação: "As Aventuras de Tintim: O Segredo do Licorne"
Melhor canção original: "Masterpiece", de "W.E.- O Romance do Século"
Melhor trilha sonora: "The Artist"
Melhor filme em língua estrangeira: "A Separação" (Irã)

Melhor série de televisão - drama: "Homeland"
Melhor ator em série - drama: Kelsey Grammer, "Boss"
Melhor atriz em série - drama: Claire Danes, "Homeland"
Melhor série de televisão - comédia ou musical: "Modern Family"
Melhor ator em série - comédia ou musical: Matt LeBlanc, "Episodes"
Melhor atriz em série - comédia ou musical: Laura Dern, "Enlightened"
Melhor ator coadjuvante em série, minissérie ou filme para TV: Peter Dinklage, "Game of Thrones"
Melhor atriz coadjuvante em série, minissérie ou filme para TV: Jessica Lange, "American Horror Story"
Melhor minissérie ou filme feito para a TV: "Downton Abbey"
Melhor atriz em minissérie ou filme feito para TV: Kate Winslet, "Mildred Pierce"
Melhor ator em minissérie ou filme feito para TV: Idris Elba, "Luther"

Cinema: Preferências e Apostas MaDamísticas no 69º Globo de Ouro

2012-01-15T02:00:00.005-02:00

Tilda Swinton em Vamos falar sobre Kevin: uma relato brutal e verdadeiro
de uma mãe sobre o filho violento

Hoje é o Big Golden Sunday do Globo de Ouro em sua 69ª edição, com transmissão oficial pela NBC nos USA às 20 h (East) e pela TNT na América Latina às 23 horas, direto de Beverly Hilton em Los Angeles . A questão é: Quem vai ganhar os prêmios nesta premiação prévia ao Grande Oscar do ano? Sempre há queridinhos que lideram as indicações como O Artista como melhor filme - comédia ou musical, que abocanhou 4 prêmios da Critic's Choice Awards (melhor filme, diretor, trilha sonora e figurino) e é um dos favoritos, com méritos. O filme que conta a história de um ator de cinema mudo que vivencia a ameaçante chegada dos filmes falados não deixa de ser uma nostálgica e boa idéia e uma homenagem metalinguística do Cinema falando sobre Cinema, o que costuma ser em visto aos olhos cinéfilos e de críticos, além de deixar o rastro do carisma de honrar a sétima Arte através dela mesma.

O troféu Cecil B. De Mille vai para... Morgan Great Freeman

Dentre o cast da premiação, o George Clooney em Descendentes como melhor ator - Drama e Viola Davis em Histórias Cruzadas como melhor atriz - Drama estão na dianteira do favoritismo, porém podem haver as grandes e bem vindas esperanças de vitória como a de Ryan Gosling em Tudo pelo poder e Tilda Swinton em Vamos falar sobre Kevin, filmes com dramáticos e provocativos argumentos que se tornam estelares com a atuação radiante destes dois atores. Com louvores, Woody Allen foi indicado pelo fantástico roteiro de Meia Noite em Paris, que já assume a pole position e tem tudo para subir no pódio, a não ser que seja ultrapassado pelos que seguem de perto sua traseira: O Artista, Os Descendentes e O homem que mudou o jogo . No quesito direção, a disputa é emocionante com pesos pesados como o próprio Woody , George Clooney (Tudo pelo Poder) e Martin Scorsese (A invenção de Hugo Cabaret), mas tudo indica que quem levará é Michel Hazanavicius, que assina o roteiro e a direção de O Artista.

Como em toda a premiação não pode faltar os prêmios especiais de gratidão à carreira de grandes atores, o prêmio Cecil da noite irá para o maravilhoso ator Morgan Freeman, digno de receber a homenagem e que tem na sua talentosa trajetória belos longas como Um sonho de liberdade e conduzindo Miss Daisy e não faltarão premiações da TV para deixar a festa ainda mais extensa e globalmente Americana. O evento será apresentado pela 3ª vez consecutiva pelo humorista Britânico Rick Gervais, que divide o amor e o ódio do público com suas piadinhas engraçadas e também ofensivas, e que provavemente falará demais para aumentar a audiência e para criar novos inimigos.

MaDame tem preferências e tem apostas nesse excitante 69 do Globo nos indicados de Cinema. Preferências são quem eu quero que ganhe (mesmo que eu já saiba que alguns não ganharão) e apostas são quem têm mais chances de ganhar. No final da festa , o que vale mesmo são as preliminares para o Oscar 2012 e mais um prazer cinéfilo dessa noitada que promete!

O Artista: um retorno à dicotomia Cinema Mudo x Cinema Falado

Melhor Filme - Drama
Preferência: Os descendentes, de Alexander Payne
Aposta: Os descendentes, de Alexander Payne

Melhor Filme - Comédia/ Musical
Preferência: O Artista, de Michel Hazanavicius
Aposta: O Artista, de Michel Hazanavicius

Melhor Filme - Língua Estrangeira
Preferência: A pele que habito (Espanha)
Aposta: A separação (Irã)

Melhor Animação
Preferência: As Aventuras de Tintim - O Segredo do Licorne
Aposta: Rango

Meia Noite em Paris: Woody Allen em um roteiro inspirado
pela forma Woody Allen de fazer roteiro

Melhor Diretor
Preferência: George Clooney, Tudo pelo poder
Aposta: Michel Hazanavicius, O Artista

Melhor Roteiro
Preferência: Woody Allen, Meia Noite em Paris
Aposta: Woody Allen, Meia Noite em Paris

Viola Davis, um merecido e potencial Globo de Ouro a uma
atriz negra em um filme sobre racismo

Melhor ator - Drama
Preferência: Ryan Gosling, Tudo pelo poder
Aposta: George Clooney, Os Descendentes

Melhor atriz - Drama
Preferência: Tilda Swinton, Vamos falar sobre o Kevin
Aposta: Viola Davis, Histórias Cruzadas

Michelle Williams, Blondíssima como diva Monroe

Melhor ator - Musical / Comédia
Preferência: Jean Dujardin, O Artista
Aposta: Jean Dujardin, O Artista

Melhor atriz - Musical / Comédia
Preferência: Kate Winslet, Carnage
Aposta: Michelle Williams, Sete Dias com Marilyn

Jessica Chastain: Talentosa e na pole!

Melhor ator coadjuvante
Preferência: Albert Brooks, Drive
Aposta: Christopher Plummer, Toda Forma de Amor

Melhor atriz coadjuvante
Preferência: Jessica Chastain, Histórias Cruzadas
Aposta: Jessica Chastain, Histórias Cruzadas

Melhor trilha sonora original
Preferência: Millennium, Os homens que não amavam as mulheres
Aposta: W.E - O Romance do Século, Abel Korzeniowski

Melhor canção original
Preferência: Masterpiece, W.E - O Romance do Século
Aposta: Masterpiece , W.E - O Romance do Século

Para conferir os concorrentes às premiações de TV,
acesse a página oficial do Globo de Ouro

Para participar do esquenta de votações no Globo de Ouro 2012,
acesse a fã page da MaDame Lumière

Rapidinhas no MaDame: Gato de Botas (Puss in Boots) - 2011

2012-01-01T20:05:00.025-02:00

Rapidinhas no MaDame:

Porque o que importa é o prazer da Cinefilia

Sobre a história: O Gato de Botas (Antonio Bandeiras), charmoso personagem que surgiu em Shrek, agora tem a sua própria animação. No enredo, temos conhecimento de seu passado, que tornou-o um fugitivo da justiça e de seu rompimento com seu amigo e irmão, o ovo Humpty Dumpty (Zach Galifianakis). Com a oportunidade de limpar seu nome e as mágoas com esta amizade, ele conhece uma parceira à altura, a gatíssima Kitty Softpaws (Salma Hayek) que o leva a reencontrar-se com Humpty, assim como tem a chance de conseguir os feijões mágicos que os levarão ao ganso dos ovos de Ouro. Para chegar aos feijões, eles terão que enfrentar o perigoso e destemido casal Jack and Jill (Billy Bob Thornton e Amy Sedaris).

Opinião Geral sobre o filme: Depois de Shrek ter perdido seu charme com as sequências da franquia, Gato de Botas é uma grata surpresa da Dreamworks para toda a família. É uma diversão infantil e, ao mesmo tempo, em linha com o público adulto, com um texto bem humorado e inteligente, que não deixa de lado valores como a amizade, a justiça, a misericórdia e o perdão, além de ser uma aventura cheia de ação e emoção. Um ponto bastante favorável é que o Gato de Botas tem luz própria como personagem, tem personalidade, charme e sabe seduzir com seu carisma e olhar, como um amante latino e um corajoso e hábil heroi. Sua animação foi bem criativa e criada com uma ambientação bem "espanhola e latina" assim como, respectivamente, as raízes de Antonio Bandeiras e Salma Hayek. Basta ver a bela cena coreografada de uma dança flamenca entre o Gato e Kitty, com direito a palmas e cante dignos da Andaluzia. O roteiro trabalha com o flashback do passado do Gato para que seja compreendido melhor o presente das ações e sua correlação, ambos bem entrelaçados com uma montagem que provê um excelente timing para a animação.

O prazer: A parceria entre o Gato de Botas e Kitty é cheia de química, graça, coragem e sedução, com ótimas cenas. Nasceram um para o outro!

O desprazer: Embora a animação seja tecnicamente impecável, o personagem de Humpty Dumpty causa uma certa antipatia. A todo o momento, dá a impressão de que é um grande traíra e não merece de jeito nenhum a amizade o gato. Na verdade, é um personagem dual e, portanto, necessário para o desenrolar dos fatos.

Por que vale a rapidinha? Porque O Gato de Botas é um heroi falho, um mocinho por trás do bandido, um romântico por trás do Don Juan pegador. Não há melhor heroi do que aquele que é humanizado mesmo que na pelagem de um gato.

Rendimento:

Feliz 2012, Feliz mais um ano de Cinema

2012-01-01T12:00:00.001-02:00

Rapidinhas no MaDame: Qual seu Número? (What is your number?) - 2011

2011-12-31T13:25:00.034-02:00

Rapidinhas no MaDame:

Porque o que importa é o prazer da Cinefilia

Sobre a história: Ally Darling (Anna Faris) é uma jovem solteira que lê na revista feminina Marie Claire que "mulheres que já tiveram 20 ou mais parceiros sexuais têm mais chance de ficarem sozinhas para sempre". Quando ela percebe que já transou com 19 caras, ela decide não transar mais e localizar seus ex-namorados para ver se deixou passar o "homem de sua vida". Para ajudá-la na busca pelos ex, ela conta com a ajuda de seu vizinho bonitão, o músico desempregado Colin Shea (Chris Evans).

Opinião Geral sobre o filme: Uma comédia romântica ligeira que, por trás da superficialidade do seu tema sexual e do desespero de uma mulher voltar ao passado para buscar um amor, faz refletir sobre a questão da aceitação do outro, principalmente de uma mulher que já transou com vários homens e que, no mundo real, seria considerada "a promíscua" em um mundo ainda machista. O filme vale a pena mais por esta reflexão temática: o de aceitar o outro com seu relatório sexual extenso do que propriamente pelos atributos de roteiro e direção do longa. Para o gênero, a narrativa ainda é fraca. Segue os moldes da comédia romântica no qual uma mulher não consegue ver que sua felicidade afetiva está perante seus olhos, envolve-se com o galã da história rapidamente, briga com o mesmo e depois percebe que ele é o cara certo. Anna Faris segura mais a atuação, embora parece forçar sua interpretação para ser engraçada. Chris Evans é mais um rosto e corpo bonitos e, como ator, ele ainda não convence.

O prazer: O filme aborda algo muito importante nas relações amorosas: a pessoa tem que ser ela mesma e ser amada pelo que ela é e não pelo que ela fez no passado.

O desprazer: Roteiro ruim. Protagonistas idem. Anna Faris e Chris Evans não tem tanto carisma e nem química para fazer brilhar aos olhos esta comédia romântica e torná-la realmente cativante e inesquecível. Como casal, não funcionou!

Por que vale a rapidinha? Por fazer acreditar que o amor existe e que há alguém que nos aceita pelo que somos, com erros e acertos, defeitos e qualidades. Também traz à tona que nem sempre o parceiro mais bem sucedido é aquele que serve para a gente.

Rendimento:

Imortais (Immortals) - 2011

2011-12-30T11:19:00.052-02:00

Ser um cinéfilo é sentir na pele o que é ser mortal, ou seja, vivenciar o que é bom e o que é ruim na mortalidade dos homens que amam Cinema. Um pouco de dor no coração ou de cabeça é natural quando aparecem na tela histórias desprovidas de conteúdo e que só querem conquistar por efeitos especiais ou algum traço que não dá conta da qualidade cinematográfica. Uma destas vivências é assistir a um filme épico abaixo da média, e que deveria aproveitar toda a riqueza da mitologia para contar uma bela história sobre homens e deuses em um roteiro mais estruturado e com uma direção diferenciada. Imortais, um dos últimos longas que estreia hoje e produzido por Mark Canton e Gianni Nunnari (de 300), é um destes filmes que como, Fúria de Titãs e Troia, trazem um heroi sarado e bonitão como mortal querido pelos deuses, com forças extra humanas, um inimigo perverso, uma mulher bela e virginal como par amoroso e muitas batalhas sangrentas pela frente. O resultado é praticamente o mesmo: história mal tratada na verossimilhança com a Mitologia e um heroi nada convincente e inspirador na atuação como líder.

O elenco principal apreende o primeiro interesse. Tem Henry Cavill, Freida Pinto e Mickey Rourke. Henry é o Brandon da série The Tudors e o Novo Super-Homem. Ele é Teseu, jovem plebeu cuja mãe tinha grande afeição pelos deuses e é morta covardemente por um tirânico Rei. O moço acaba sendo estimado por Zeus (Luke Evans) e Atenas (Isabel Lucas) e escolhido para defender o Arco de Épiro, uma poderosa arma forjada no Olimpo que o cruel Rei Hipérion (Mickey Rourke) deseja possuir. Hipérion declara guerra aos gregos e está disposto a libertar os Titãs para massacrar a humanidade, mas Teseu conta com a ajuda das visões do Oráculo Fraeda (Freida Pinto), a mocinha que de virgem passa para a cama do heroi, e também com a dos deuses e do exército de rebeldes. Pronto, acabou a história. O que resta? Apenas muitos efeitos especiais com abuso de câmera Slow Motion para quem adora ver sangue espirrando para todos os lados inimagináveis e lutas, caras e bocas se movendo lentamente. Também não espere muito do 3 D que só entra mais qualitativamente em ação quando o tipo de efeito visual e do plano realçam os benefícios da tecnologia.

O que importa em Imortais é que ele é um entretenimento meramente visual para fazer o espectador não pensar, somente contemplar as imagens sob a direção de Tarsem Singh (de A Cela), que é conhecido por seu rigor estético e por não dar a mínima para o roteiro. Embora conte com os produtores de 300, o filme tem uma trama fraca e desconexa, logo está distante da melhor qualidade de 300. O forte de Imortais está na direção de arte com uma cenografia e figurinos que recuperam a bela atmosfera da vila de Teseu, próximo ao mar Egeu, a obscura e grotesca figuração de bestas mitológicas, a plasticidade perversa e horrível de um Rei como Hipérion, a delicadeza de um Oráculo virginal, o dourado luminoso dos deuses, a força e virilidade de um bonito guerreiro. As cenas de batalhas não deixam a desejar e, embora haja um exagero de câmera lenta, dentre todos os atributos do longa, as lutas acabam por manter o interesse e valem a sessão. No geral, visualmente, é como ser arrebatado para um mundo distante e fantasioso durante a projeção. O pecado mortal é o longa ter tratado deuses como mortais. Isso é possível? Em Hollywood pode tudo, até mesmo ser inverossímil e subestimar a inteligência do espectador.

Prova-se com o longa que Henry Cavill é melhor como o duque Suffolk de The Tudors que como Teseu; pelo menos, ele é mais interessante no seriado. É evidente que o roteiro não ajudou os atores, mas ele precisa melhorar a atuação antes de encarnar o Super-Homem, e precisa de mais carisma. É impressionante a falta de inspiração que o discurso dele para o exército Heracliano tem. Imagine um plebeu que tem que liderar um exército contra um rei tirano que possui um arco que pode aniquilar soldados em segundos. Henry clama aos gritos, sem emoção alguma, para desespero do bom cinéfilo. Outra situação de um roteiro ineficaz é a transa dele com o Oráculo Faedra, algo prático e sem ter havido uma conexão prévia na narrativa que justificasse unir o casal. Colocaram uma "rapidinha mitológica" como a que vemos com Brad Pitt em Troia, simplesmente para preencher a história com um pouco de romance. Freida Pinto só empresta sua beleza exótica, com uma pele formosa que daria para realizar propaganda de creme facial. Para variar, ela está inexpressiva na atuação, infelizmente o roteiro dos inexperientes Parlapanides não colabora para aproveitar melhor o elenco. Por conta disso tudo, Mickey Rourke, competente e muito em linha com personagens de vilania ou decadentes em seus últimos filmes, torna Imortais mais convidativo, no mínimo, ele deve se divertir encarnando estes caras com rostos mal tratados, tatuados ou com cicatrizes, afinal, suas cirurgias plásticas mal sucedidas parecem tê-lo ajudado com estes papeis. Lamentavelmente, seu talento aqui é desperdiçado.

Imortais é mais uma diversão despretensiosa que comprova que estética sem desenvolvimento de enredo não alcança uma performance diferenciada em Cinema. Curta-o se não cair no sono dos mortais durante a sessão!

Avaliação MaDame Lumière

Título: Immortals

País/Ano: USA (2011)

Direção: Tarsem Singh

Roteiro: Charley Parlapanides e Vlas Parlapanides

Elenco: Henry Cavill, Freida Pinto, Mickey Rourke, etc.

Os Muppets (2011)

2011-12-25T23:00:00.003-02:00

É muito mais divertido ir ao Cinema quando assistimos a uma cativante produção cinematográfica com o expertise de entretenimento da Disney. A nova diversão se chama Os Muppets, longa com um charme todo nostálgico ao trazer os bonecos fantoches Muppets, personagens ficcionais criados por Jim Henson, que contracenam com atores de carne, osso, carisma e riso como Jason Segel, Amy Adams, Jack Black e Zach Galifianakis e convidados bem especiais como Emily Blunt, John Krasinski, Selena Gomez, Neil Patrick Harris e Whoopi Goldberg. O resultado é uma história bem humorada, sensível e contagiante, embalada por música, dança e artísticas apresentações.

Walter (Peter Linz), um super fã dos Muppets, viaja de férias para Los Angeles com seu irmão Gary (Jason Segel) e a namorada dele Mary (Amy Adams). Lá descobre que Tex Richman (Chris Cooper), explorador petrolífero e vilão da história, planeja destruir o teatro abandonado dos Muppets para extrair petróleo. Para salvar o local, eles decidem partir em busca do sapo Kermit (Steve Whitmire) para que juntos possam reunir os Muppets, montar um novo programa de TV e arrecadar US$10 milhões necessários.

A história já é cativante e feita para emocionar a partir do início inusitado da narrativa. Vemos Walter, que nasce e cresce como Muppet em uma família humana e tem uma relação muito amiga com seu irmão Gary. Eles são muito unidos e tem um carisma em tela grande que roteiro, a edição e a trilha sonora se encarregam de enfatizar a beleza e sensibilidade desta conexão. Usam pijamas parecidos, escovam os dentes juntos, dormem no mesmo quarto, assistem aos Muppets. Este começo tem a sua razão de ser, pois a narrativa evolui para demonstrar que Walter é um grande fã dos Muppets desde que acompanhava os antigos programas dos fantoches na infância e na adolescência, demonstra um afeto tão especial por este mundo Muppets que chega a criar uma identidade com eles sonhando em ser um dos seus ídolos e fazer parte desta grande família. Quando surge a oportunidade de conhecer o teatro dos Muppets, Walter tem quase um enfarte de tanta alegria, mas como nem tudo é perfeito, terá o desafio de lutar para ajudar seus estimados Muppets, batalhando contra o tempo para reuní-los pois cada um tomou um rumo diferente na vida, além do desafio de se reconhecer como um artista, um integrante da família Muppets. Se por uma lado, os Muppets correm o risco de perderem seu teatro legado, por outro lado, a adversidade os ajudará a resgatar algo muito mais valioso do que US$ 10 milhões: a amizade, o talento, a alegria, a diversão e a união entre os Muppets.

O longa é uma excelente diversão para toda a família, e só vem a confirmar que a Disney continua tendo sua magia atemporal de emocionar o público, com belas músicas e personagens carismáticos. Ainda que a distribuição Brasileira do filme tenha colocado cópias dubladas que ocultaram o brilho musical da trilha sonora e tiram um pouco do espetáculo sonoro da fita, Os Muppets é o tipo de filme que ressalta como o amor, a amizade e o livre arbítrio movem a gente a fazer escolhas que valem a pena. Em algum momento da narrativa, algum Muppet fará uma escolha por um bem muito maior e sem preço, que prioriza a lealdade a uma história que foi construída e que continua viva. É um filme que começa com a missão de salvar um local físico, mas este é somente o motivo da ação, o que ficará no coração do espectador é a emoção que vai crescendo até o clímax e que cria esta sintonia com fantoches tão graciosos. Dá vontade de dizer bem alto: Os Muppets são demais e são para amar! Não a toa que a Disney comprou os direitos dos personagens por um astronômico valor, pois tem tudo a ver com o poder do encanto do Cinema da Disney e os estúdios sempre vão precisar de personagens únicos e inesquecíveis. Os Muppets são peculiares e especiais por serem autênticos, como por exemplo, o destaque especial vai para a charmosa personagem de Miss Piggy, hilária, vaidosa e estilosa. Apaixonada por Kermit, com o qual teve um relacionamento no passado que não evoluiu, ela fez o que normalmente a maioria das mulheres deveriam fazer quando perdem seus amores. Foi morar em Paris, ser chique e bem sucedida; tornou-se uma poderosa editora de uma revista de beleza e tem o orgulho passional e mal resolvido de boa parte das mulheres. Apesar da distância do seu grande amor, é uma miss de personalidade e atitude, ainda apaixonada por Kermit. Com tanta graciosidade e amorosidade, Os Muppets valem muitas Muppets sessões!

Avaliação MaDame Lumière

Título: The Muppets

País/Ano: USA (2011)

Direção: James Bobin

Roteiro: Jason Segel, Nicholas Stoller

Elenco: Jason Segel, Amy Adams, Chris Cooper, Jack Black, Zach Galifianakis, Emily Blunt, John Krasinski, Selena Gomez, Neil Patrick Harris,Whoopi Goldberg etc

Click Cinéfilo: Jack Sparrow de Sampa no Natal da Avenida Paulista

2011-12-24T21:35:00.004-02:00

Ho - Ho - Ho, Madame Noel traz para você o Click do Natal: o nosso Jack Sparrow Brasileiro da Saga Piratas do Caribe. Quem é ele? Gostaria muito de saber pois ele já é bem famoso em São Paulo. Ele é um artista de rua bem conhecido por se apresentar no Centro da capital, nas imediações do Viaduto do Chá e da Estação São Bento. Lembro-me dele com o seu charme JohnnyDeppiano durante uma das minhas andanças no Centrão. Ho - Ho - Ho, ele foi apreciado por Madame Lumière em sua performance no Natal da Avenida Paulista. Ho - ho - ho... adoro estes momentos de cinefilia urbana!

Parabéns, grande artista, cinéfilos como eu agradecem sua dedicação cortês e bem humorada como Jack Sparrow, afinal não deve ser fácil aguentar este modelito do pirata mais querido do Cinema. Um Feliz Natal para você e para todos os que prestigiam o seu trabalho!

Feliz Natal

2011-12-24T15:47:00.005-02:00

Gigantes de Aço (Real Steel) - 2011

2011-12-18T11:14:00.051-02:00

Gigantes de Aço é um daqueles filmes que misturam Sci-Fi , games e drama e garantem uma agradável diversão para toda a família, principalmente por colocar em evidência um protagonista mirim como o orfão de mãe, Max Kenton, um garoto cativante, de dócil semblante e atitude corajosa, interpretado pelo bonito e talentoso ator Dakota Goyo. O longa dirigido por Shawn Levy é uma fórmula que também dá muito certo em função da combinação de uma história diferenciada de boxe entre robôs em um futuro próximo (2020), de um drama familiar de aproximação entre um filho (Max) e o pai Charles Kenton (Hugh Jackman), de um elenco que também traz Evangeline Lilly e Anthony Mackie. Muito do entretenimento bem sucedido ocorre por ter sido produzido pelo master produtor executivo Steven Spielberg e por um time de outros profissionais que entendem de Sci-Fi e de blockbusters como este como Josh McLaglen (X-Men e Avatar), Don Murphy (Transformers), Steve Starkey e Robert Zemeckis (De volta para o Futuro). Para completar, Gigantes de Aço é baseado no Conto Steel (1954) de Richard Matheson, especialista em histórias humanas e bizarras que incluem a ficção científica e tem uma trilha sonora contagiante e enérgica com grandes nomes do rap como Eminem e Timbaland, respectivamente, com hot músicas como Till I collapse e Give it a go.

O roteiro é muito bem elaborado e dirigido por demonstrar ao espectador que o filme é muito mais do que uma mera ficção científica. O peso comercial do contexto é o boxe entre robôs cada vez mais sofisticados, que conquistam multidões e atraem investidores. Ainda que os robôs substituíram os humanos no ringue, os homens continuam no controle e ganhando dinheiro com as lutas destas máquinas, porém por trás da desumanização do esporte, há um senso moral de humanização que é construído em toda a película através da relação em construção entre um filho e um pai. Max perde a mãe e tem a guarda disputa pelos tios ricos. Charles é um ex-boxeador fracassado que precisa de dinheiro. Ele vende a guarda do filho com naturalidade, mas precisa passar um verão com Max por conta de uma viagem dos tios. A partir daí, Max e Charles tem a chance de construírem uma relação que se transforma do comercial ao afetivo. A humanidade também se dá quando surge o velho robô Atom, encontrado em um entulho. Atom é valorizado pelo garoto e desenvolve uma amizade incrível com Max, que o tem como um amigo, um irmão, um herói e até como reflexo de si mesmo, bem em linha com o que Steven Spielberg adora em seus filmes com elenco mirim. Jackman, Goyo e Atom tem uma ótima química e formam esta família que passa de solitários e rejeitados a de unidos e vencedores.

Se for para traduzir o longa em um frase, 'Gigantes de Aço é um filme para gigantes do coração'. Enérgico e sensível na medida certa. As cenas de luta são bem coreografadas e injetam a adrenalina para o coração bater bem forte a cada golpe direto, cruzado e jab, a cada nocaute. A direção de arte e efeitos especiais dos robôs é muito cool e estilosa pois cria uma conexão de que eles são realmente lutadores incríveis e invencíveis, poderosamente celebridades em um ringue como se fossem humanos com carcaças da melhor qualidade. A sensibilidade é bastante inerente ao longa, mas não é sentimentalista pois o trato de pai e filho tem bom humor e os confrontos naturais chegam a ser levemente duros em palavras e atitudes; como por exemplo quando Max é vendido e diz que deseja a parte dele do dinheiro ou quando, ao encontrar Atom, o garoto não tem a ajuda do pai e tem que tirar o robô do ferro-velho, sozinho. No geral, o filme também tem uma boa montagem, que dá um dinamismo às cenas de lutas e cortes para planos que evocam os momentos mais intimistas, de forma fluída e comovente em alguns momentos, como quando Max é salvo por Atom e o espectador tende a lembrar dos antigos filmes Spielberguianos através dos olhos de uma criança. Além do mais, o longa retrata as referências a Sugar Ray e Rocky, recuperando o flashback de Charles Kenton como um boxeador que já foi bom , mas que deixou de acreditar em si mesmo e que agora pode recuperar parte de sua autoestima e autoconfiança. De alguma forma, o encontro entre Max, Charles e Atom é uma maneira de unir as forças de uma nova família, na qual um passa a acreditar no outro e dá o devido valor a cada potencial. A vitória também pode surgir de lutadores vencidos, de robôs humanizados entulhados no lixo, afinal, assim é a vida, uma hora na sarjeta, outra vez no pódio. Mais uma vez, Spielberg produz um filme gigante para espectadores de coração.

Avaliação MaDame Lumière

Título: Gigantes de Aço (Real Steel)

País/Ano: USA (2011)

Direção: Shawn Levy

Roteiro: John Gatins, baseado no Conto Steel de Richard Matheson

Elenco: Hugh Jackman, Evangeline Lilly, Dakota Goyo, Anthony Mackie, etc.

O Garoto da Bicicleta (Le Gamin au Vélo / The Kid with a Bike) - 2011

2011-12-12T01:30:00.001-02:00

Vencedor do Grande Prêmio do Júri no Festival de Cannes 2011, O Garoto da Bicicleta é o novo filme dos irmãos Belgas Jean-Luc e Pierre Dardenne, que assinam a direção e o roteiro e evocam uma temática recorrente em seus filmes: o humanismo. Conhecidos por longas premiados como A Promessa (1996) e A Criança (2005), dramas realistas e comoventes que provam o próprio individuo em situações adversas, os Dardenne retornam à cena cimematográfica com mais otimismo ao contar uma história que fala sobre a rejeição e o afeto a uma criança. Cyril Catoul, garoto abandonado pelo pai e criado em um orfanato, é interpretado pelo ator Thomas Doret, selecionado para um papel difícil, expressivamente um garoto solitário, violento e rejeitado, cuja triste história o fez perder a ternura da infância. Perdeu tanto a inocência que age como um precoce adulto, introspectivo e agressivo, lamentavelmente um garoto que sofre a dor da rejeição ainda que demonstre ser valente nos embates do cotidiano.

O roteiro e a direção se empenham em equilibrar a história de Cyril Catoul em sequências de rejeição e afeto, nas quais há uma expectativa de que ele próprio possa se salvar ao encontrar a bondosa cabeleireira Samantha (Cécile de France), ao mesmo tempo que o espectador testemunha a crua realidade dele ser um garoto abandonado, claramente ignorado pelo pai Guy Catoul (Jérémie Renier), além de ser um menino muito rebelde, facilmente vulnerável a se envolver em caminhos tortuosos de deliquência juvenil ao conhecer o jovem problema da vizinhança, Wes (Egon di Mateo) e começar a praticar delitos. Desta vez, o Cinema Humanista dos Dardenne atinge um patamar bem otimista através das atitudes da protagonista Samantha, uma mulher simples, carismática e amorosa, que demonstra um comportamento muito espontâneo ao ter o garoto dentro de sua casa. A própria escolha da atriz belga Cécile de France para este papel foi muito acertada, porque ela transmite beleza e serenidade como um anjo iluminado na tela, disposta até mesmo a lidar com as agressões do garoto, seja em palavras seja em atos físicos. Samantha é a mãe que Cyril nunca teve, a nova figura materna que abre os braços para o filho e tudo suporta. Efetivamente ela é a metáfora da bondade e da esperança e, portanto, é a única pessoa que é capaz de aceitá-lo como ele é.

A história tem seu inicio quando Cyril escapa do orfanato, é perseguido como um fugitivo pelos profissionais do local e encontra Samantha, a qual abraça dramaticamente como um pedido desesperado de ajuda. A partir daí, se dá a conexão de ambos. Mais um lance do destino, uma oportunidade rara ao encontrar uma pessoa humanizada. Ela tem uma empatia materna pelo garoto e surge a ideia de que ela o apadrinhe para que possa passar os finais de semana na cada dela, ajudá-lo a recuperar a bicicleta e a procurar Guy. Com uma ótima atuação de Cécile de France, Samantha é também a expressão da aceitação e da tolerância ao que a sociedade vira as costas e, portanto, ela é a esperança para este garoto e recupera o ato humanista dos filmes dos Dardenne. Por outro lado, o ator Jeremie Renier, que já trabalhou com os diretores, interpreta muito bem Guy, um personagem bem interessante sob o ponto de vista de uma lamentável figura paterna pois ele é frio e prático ao rejeitar o filho e, também, um pobre infeliz, que não conseguiu absolutamente nada na vida e quer mais é se livrar de Cyril, que seria como mais uma "pedra no sapato" de sua decadente postura como pai.

O diferencial de O Garoto da Bicicleta é observar os personagens e se deixar levar pelo que eles despertam no público. Certamente, sentimentos contraditórios podem surgir durante a projeção e esta experiência cinematográfica é muito alinhada com a dolorosa e contundente realidade de crianças e jovens rejeitados. Existem sequências que causam mal estar pelo simples fato de ver o quanto é doloroso ver um garoto abandonado, metido em brigas, sem referências paternas, entregue a um esvaziamento em sua vida já que não estuda, não tem amigos de verdade, não tem uma convivência social produtiva. Resta-lhe ser O Garoto da Bicicleta, andando pra cima e pra baixo com sua bike, que é a única coisa de valor afetivo que lhe sobrou e que é uma bela definição para Cyril: Ele e sua bicicleta, seu único patrimônio nesta vida, sua única brincadeira, sua única identidade. Este realismo é o grande ganho do Cinema Europeu, capaz de registrar imagens cotidianas de uma violência física e psicológica, na qual o afeto se perde mas ainda há uma luz no final do tunel.

A começar por Samantha, que mal conhece Cyril e sua história e já se lança em um tipo de adoção informal. Ela também adota uma atitude mais de bondade do que de racionalidade ao lidar com o revoltado garoto, mesmo que corra o risco de ser ferida por ele a qualquer momento ou ter sua vida pessoal impactada. Além disso, ele continua um garoto indisciplinado que deveria realizar um tratamento psicológico ou ter outros tipos de cuidados que recuperem sua identidade e sanidade. Cyril é o que mais desperta sentimentos antagônicos por ser vítima de uma família ausente, de um sistema que não cuida de seus filhos e, ao mesmo tempo, ser um jovem agressivo que está se enveredando por um caminho deliquente que coloca em risco a vida de outras pessoas. Já Guy é o pai que não deveria ter sido pai e de fato não o é, mas é o personagem que faz o público refletir se não teria a mesma escolha se tivesse um filho problemático e quisesse liberdade para trabalhar e tocar a própria vida sem nenhuma responsabilidade. O filme não emite julgamentos, mas causa um mal estar natural que faz o espectador pensar como reagiria em um contexto dramático como este.

Todos estes personagens trazem a reflexão sobre como agir em uma situação com esta ou deveriam provocar isso. Eles despertam raiva e piedade, pessimismo e esperança; logo pode-se dizer que o novo filme dos Dardenne pode não ser o melhor da cinematografia e nem ter entusiasmado ao extremo, mas em sua singeleza, há a profundidade dos dramas do homem. Ele é mais um exemplo da humanidade que está dentro de cada um. Ser humano não é ser perfeito e sim exercer defeitos e virtudes, por mais monstruosas e boas que, respectivamente, elas sejam, por isso Cyril, Samantha e Guy são personagens bem elaboradas de um drama que divide reações na plateia e são tão humanas como o Cinema deve mostrar.

Avaliação MaDame Lumière

Título: O Garoto da Bicicleta

País/Ano: França, Bélgica, Itália (2011)

Direção: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne

Roteiro: Jean-Piere Dardenne, Luc Dardenne

Elenco: Thomas Doret, Cécile de France, Jérémie Renier, Fabrizio Rongione, Egon di Mateo

Cine Família: Meu País (2010)

2011-12-11T12:00:00.002-02:00

A estreia de André Ristum na direção de seu longa metragem Meu País é marcada por variados pontos positivos: drama afetuoso de sensibilidade ímpar, um elenco bem selecionado e em sintonia, direção bem orquestrada com o roteiro, realista fotografia de bela textura e granulação, que inspira como imagens de um álbum de família e é assinada pelo "Alemão" (Hélcio Nagamine) e produção assinada pelos experientes e influentes Irmãos Gullane. A história é um lindo, poético e emocionante drama familiar baseado no reencontro de três irmãos separados pelas circunstâncias e escolhas da vida.

Após a morte do pai Armando (Paulo José), vitimado por um derrame fatal, Marcos (Rodrigo Santoro) retorna ao Brasil com a esposa (Anita Capriol) após morar há anos na Europa. Executivo com um comportamento distante das ideias de formação de uma nova família, Marcos é o típico modelo de homem bem sucedido na contemporaneidade: bonito, endinheirado, maduro, sofisticado, focado no trabalho e nos negócios e de cultura e experiência europeias. Seu irmão Tiago (Cauã Reymond) é o seu antagonismo, a 'ovelha negra da família', o ' garoto problema'. Permaneceu morando com o pai, que sustentou seus gastos. Adepto de baladas, drogas, álcool, mulheres, jogo, malhação, Tiago é o jovem mimado, imaturo, irresponsável e endividado que não está interessado em gerenciar nem o próprio patrimônio, somente a gastá-lo com seus excessos. Com a morte de Armando, uma revelação vem à tona: a existência de uma irmã, Manuela (Débora Falabella), que tem idade mental menor que a idade genética de 24 anos, e está internada em uma casa de repouso psiquiátrica. O desafio dos irmãos será formar e manter esta nova configuração familiar, aceitando uns aos outros e, com amor, trazer Manuela à convivência com eles.

Meu país é um filme tocante sobre a volta às origens do seio familiar, ao reencontro físico e afetivo de irmãos; logo a volta de Marcos não é somente ao Brasil, mas o retorno ao que é essencial e necessário para a continuidade deste lar: a família que eles tem que representar após a morte do pai, uma família que precisa simplesmente ser uma família, transformar a dor em afeto. Muito da beleza do filme está em seu realismo dramático, das discussões aos desabafos, passando pelos silêncios e olhares e também pelas diferenças. O antagonismo de personalidades e estilos de vida dos dois irmãos reforça isso, mas não é somente ele que dá o tom do drama pois cada personagem tem o sua problemática pessoal. Marcos é pressionado a voltar à Itália, primeiro pela empresa, depois pela esposa, além de viver o dilema de ter que cuidar da irmã que é rejeitada por Tiago e não tem mais ninguém que a ajude. Se ela ficar na clínica psiquiátrica, ela regredirá em sua condição mental. A esposa de Marcos tem um casamento amoroso, com um bom marido. É prestativa e dedicada, mas como nem tudo é perfeito, não há espaço para diálogos sobre a possibilidade de ter um filho, um projeto que é um sonho dela, mas não o dele. Tiago é um azarado jogador, cujo vício coloca sua própria vida em risco, interpretado de forma muito crível por Cauã. Manuela vem a unir esta família, a desconstruir para reconstruir suas vidas e, conta com a excelente interpretação de Débora Falabella.

O elenco tem sua força motriz em Rodrigo Santoro, que está excelente como o protagonista, o irmão mais velho, o irmão líder. Seu papel exige controle emocional com as novas situações que surgem após a morte de Armando, além de ser um dos que tem mais que abrir mão da própria vida, tendo que lidar com a pressão para voltar aos negócios, ver seu casamento em risco, gerenciar as dívidas familiares e ser a coluna de seus irmãos para que eles não se afundem de vez. Marcos é um personagem muito interessante e bem construído do ponto de vista de drama familiar porque ele é como um sucessor paterno, é o que mais tem maturidade e responsabilidade para assumir o controle dos negócios e da família e é o filho que estava mais distante da convivência com Armando, de alguma forma, ele alcança a sua redenção como filho que retorna ao lar. Ele saí de uma esfera mais individualista, em sintonia com o que o mundo moderno exige das pessoas, para uma esfera de olhar os outros irmãos, abdicando de si próprio em algumas situações; por isso, Meu país é um filme belíssimo para uma reflexão do individuo no ambiente familiar. É um longa que mostra uma encruzilhada dramática na vida dos irmãos que podem prosseguir sozinhos ou unidos e tem que lidar com as profundas e dolorosas emoções após a perda de um pai, tendo que recuperar este amor da infância ou recém descoberto pois são como estranhos com o mesmo sangue.

É impossível não se emocionar com esta comovente história, principalmente com tantos problemas de relacionamento, de falta de aceitação, amor e união que surgem nas desestruturadas famílias atuais. Meu país é um filme sobre afeto que faz valer sua divulgação: É uma emocionante jornada de reencontro, e com ela, um novo encontro com nós mesmos.

Avaliação MaDame Lumière

Título: Meu País

País/Ano: Brasil (2010)

Direção: André Ristum

Roteiro: Andre Ristum, Octavio Scopellitti, Marco Dutra

Elenco: Rodrigo Santoro, Cauã Raymond, Débora Falabella, Anita Capriol, Paulo José, Eduardo Semerjian, Nicola Siri, Luciano Chirolli, Stephanie de Jongh.

Os Especialistas (Killer Elite) - 2011

2011-12-10T15:35:00.049-02:00

Caras durões, muita porrada, tiros e explosões em um contexto que não faltam chantagens, conspirações, traições e redenções. Assim é Os Especialistas, tudo rima com ão de muita ação. Inspirado no best-seller de Ranulph Fiennes, The Feather Men, que conta a história da Clínica, um grupo de assassinos de aluguel contratados para matar soldados britânicos em Omã. Para eliminá-los, uma outra elite de matadores, os Homens-Pena, é contratada para caçar a Clínica, o que se desdobra em perseguições entre estes especialistas em extermínio a partir dos anos 70, por mais de uma década.

No longa com direção de Gary McKendry e roteiro de Matt Sherring, o elenco base é formado por um trio de atores duro da queda e com background cinematográfico de muita testosterona na veia, formado por Jason Stratham, Robert de Niro e Clive Owen, além de Dominic Purcell (de Prison Break) e Aden Young. Na adaptação para as telas, Jason é Danny, um assassino profissional que após mais uma operação, decide abandonar o ofício de agente das forças especiais, se refugia em uma casa de campo e se apaixona pela blondie Anne (Yvonne Strahovski). Como em Cinema, alegria de matador de alto nível e disposto à redenção dura pouco, ele é avisado que,Hunter (Robert de Niro), seu ex- parceiro e mentor, é capturado e preso por forças árabes. Danny é obrigado a voltar à ativa e aceitar a chantagem de um sheik do petróleo. Sua nova missão é matar 3 soldados britânicos do grupo de forças britânicas SAS (Special Air Service), considerada perigosa e bem treinada, que haviam assassinado os filhos do sheik. Como recompensa, a vida de Hunter será poupada.

Para um filme de ação, o argumento é bom e o elenco é melhor ainda, porém o roteiro de Sherring poderia ser melhor aperfeiçoado com maior tensão e profundidade na narrativa para explorar melhor os fatos verídicos e polêmicos do livro de Fiennes. Existem alguns momentos da película que dão a impressão de que falta alguma lacuna para dar mais coesão à história, mais eletricidade aos conflitos, além disso, o roteiro poderia ter explorado com mais consistência o próprio dilema de Danny, não se satisfazendo somente em incluir alguns planos de flashback no qual ele lembra do sorriso da namorada, do beijo roubado e de como gostaria de estar como um ermitão apaixonado em uma casinha de campo. É evidente que Danny vive o drama de ter o melhor amigo e mentor preso em Terras árabes, por isso volta a matar sem muita vontade própria mas com poderosa aptidão para enfrentar uma cena de luta de tirar o fôlego com Spike (Clive Owen), ex-integrante da SAS que começa a perseguí-lo como em um jogo de gato e rato; porém a importância da relação de Danny com Hunter não é recuperada em termos narrativos, ou seja, não se mostra um passado realmente relevante que enfatize: "Realmente somos muito amigos, vale a pena arriscar a vida por Hunter".

Não há dúvidas de que o longa é garantia de diversão com muita bala na ponta da arma e uma narrativa de suspense na qual não é possível confiar plenamente em ninguém. Statham é o grande espetáculo, pois é basicamente o protagonista que tem que levar o filme e manter o público interessado em suas habilidades de ação. Ele é bastante versátil para dar socos, chutes e tiros sem perder a precisão acrobática, e há uma cena na qual ele está preso em uma cadeira que é ótima, chegando a ser engraçada por ser muito forçada, por isso todo o filme de ação tem momentos cômicos e surreais, basta rir de que alguns sempre sobrevivem ao mais letal dos tiros e a mais astronômica das alturas. Com sucesso e bastante adaptado a este gênero cinematográfico, Statham interpreta o estiloso bad good boy que é marrudo por fora, mas está apaixonado por uma garota que mal pode saber o que ele faz. Ele segura a qualidade e ritmo, confirmando mais uma vez que nasceu para fazer só isso: um corpo bonito, um charme viril, uma cara de mau, senso e estilo fashion, e uma excelente performance para filmes do gênero como Mercenários e Carga Explosiva. Por outro lado, o problema do filme é desperdiçar o talento de Robert de Niro, um ator excepcional que teve uma experiência fantástica em Fogo contra Fogo, um dos melhores filmes de ação do Cinema. Não a toa que, quando Robert de Niro aparece em Os Especialistas, ele eleva consideravelmente o nível da produção com seu carisma, bom humor e elegância. De Niro flerta com a câmera com muita naturalidade e as sequências do mêtro e do desfecho no deserto demonstram que ele poderia agregar muito mais neste roteiro se não o tivessem colocado como refém em boa parte da projeção.

Embora este roteiro não aproveite a potencialidade dramática de contextos conspiratórios que envolvem forças armadas e o clássico conflito Oriente x Ocidente, o filme tem como um dos pontos de atração o explorar locações internacionais em um Thriller de ação, recorrendo a fórmulas como Identidade Bourne, o convite ao público é feito para ir à Londres, Paris e Omã, viajando pelos planos e desfrutando de belas e luminosas imagens da cidade do Amor, além de ter uma certa sofisticação na ação e na ambientação com movimentos de câmera aereos e também de eletrizantes ritmos, lutas bem coreografadas, mortes estrategicamente elaboradas e um protagonista que não é nem heroi e nem vilão. Alias, não julgar muito o heroismo ou a vilania de Danny é relevante na narrativa porque o filme não tenta encobrir o sangue frio do mercenário e nem mesmo julgá-lo como certo ou errado, pelo contrário, embora Danny queira mudar de vida, ele está pronto para matar, se for necessário com a mais gélida frieza e de forma muito prática. Há uma clara intenção de fazer o público torcer por Danny, afinal, ele é o amigo leal e o namorado disposto a voltar aos braços da amada, mas o espectador quer ação e quer mesmo é que ele exerça o seu oficio de matador profissional, exterminando quem se colocar diante dele e até morrendo, se for preciso, ainda que seja melhor que fique com a mocinha fragilizada, que está disposta a ficar com ele, mesmo sem saber nada de seu passado. Ainda que a narrativa não entregue todas as respostas conspiratórias, o público é levado a curtir mais a ação e isso é o que importa.

De maneira geral, mesmo que a moral coletiva renega os mercenarios, filmes com matadores que têm sentimentos nobres como os de Danny sempre são envolventes e demonstram que o público também é um pouco mercenário, afinal de contas, se a ficção for por uma boa causa, que venha muita adrenalina após o Action.

Avaliação MaDame Lumière

Filme: Os Especialistas (Killer Elite)

País/Ano: EUA (2011)

Direção: Gary McKendry

Roteiro: Matt Sherring

Elenco: Jason Statham, Robert de Niro, Clive Owen, Yvonne Strahovski, Dominic Purcell, Aden Young

Etiqueta no Cinema: Desligue o celular!

2011-12-05T14:35:00.031-02:00

Quem é cinéfilo dos bons, sabe que ir ao Cinema está se tornando um drama. Daria para rodar as situações como se fossem um filme do gênero, até mesmo, desenvolvê-las como uma tragedia, um bang bang, um terror, com vontade de eliminar os incivilizados da sala de exibição bem a la Tarantino ou Chuck Norris. Pois é, estava eu lendo o novo livro de Danuza Leão, o divertido Tudo é tão simples, e vi que nem ela suporta mais ir ao Cinema, exatamente porque é difícil conviver com gente mal educada que torna este prazer um desprazer, ou no mínimo, um epico dramático sobre a falta de respeito. Concluí que está cada vez mais difícil ir ao Cinema e ter que virar em direção à cara da pessoa inconveniente para ver se ela se "toca" de que a sala de exibição é um ambiente de entretenimento coletivo, para relaxar e ser feliz respeitando o espaço e bem estar do outro.

Dias destes, em uma jornada antropológica de observação do comportamento humano no Cinema, percebi quem é o novo inimigo dos bons cinéfilos e, pasmem, acreditem que é o celular quando tem o infeliz destino de ter sido adotado por um espectador sem noção da etiqueta no Cinema. Aquele smartphone bacana que apreciamos é mal terrível nas mãos dos espectadores que não sabem desligá-lo enquanto está assistindo a um filme. Os celulares dos donos mal educados emitem aquela luz irritante em pleno escurinho do Cinema e refletem bem na nossa cara ou na vizinhança, como se tivesse caído um cometa na sala ou pousado um E.T. Spielberguiano em uma nave espacial. Pior é aquele engomadinho que a cada 10 minutos, olha para a tela iluminada de seu blackberry ou Iphone, tenta esconder com a mão o visor do aparelho para não refletir a luz no rosto de quem está sentado atras dele. Por que tanto esforço para disfarçar esta desagradável atitude se ele já está atrapalhando?

Não podemos esquecer daquela garota que está sentada ao lado do namorado falante, aquele mesmo que está segurando um lanche McDonalds, prestes a derramar mostarda ou deixar algum picles na poltrona, além de fazer a clássica sonoplastia do saco de papel sendo amassado. Enfim, além de ter um namorado desta especie, esta "gracinha" de garota tem que ter um lazer diferenciado porque ela se acha a estrela Hollywoodiana da sala e opta pela versão "diversão casada": Cinema e Twitter, para desespero de quem sentou-se próximo a ela e não quer vê-la tuitando como se fosse Demi Moore e aquele clarão do visor do celular a um palmo de distância.

Os cinemas deveriam fazer uma campanha de conscientização sobre Educação no Cinema. Está ficando cada dia pior frequentar um Cinema em um final de semana, por exemplo. Exibir aquele trailer do "desligue o celular" já não está sendo mais suficiente, mesmo porque, durante o trailer, as pessoas estão mais tagarelando do que prestando atenção na tela. E para você, que adora a luz cintilante do visor do seu celular, ela pode ser mais linda do que o brilho das estrelas e do que os olhos da sua atriz ou ator favorito (a), mas desligue-o! A Sétima Arte agradece.

Imagem: Post do bem

Um Dia (One Day) - 2011

2011-12-03T15:05:00.078-02:00

Histórias de amor no Cinema comovem de diversas maneiras e por variadas razões. São como um espelho da alma romântica, como a catarse de uma intensa emoção nutrida por afeto, esperança, desejo e sofrimento, como o reflexo de anos vivenciados com um romance que deu ou não certo, que nunca será esquecido ainda que décadas cheguem e digam adeus. Cada pessoa tem uma história de amor, dramática, ou até mesmo trágica, vivida ou sonhada. Cada pessoa tem uma história de amor que é a realidade de um romance sentido em um coração que espera 'um dia' esta realização amorosa, de uma alma que simplesmente ama.

Após Educação, a diretora Lone Scherfig retorna ao Cinema com a adaptação de uma bela história de amor, do best-seller internacional One Day, de David Nicholls, que assina este roteiro. A história é contada por vinte anos, em várias etapas da vida de dois amigos, Emma (Anne Hathaway) e Dexter (Jim Sturgess), que se conheceram na faculdade e desenvolveram uma relação sincera, afetuosa e de incalculável valor, um misto de amizade diferenciada com romance não assumido, feita de momentos de proximidade e de distanciamento, de declarações carinhosas, diálogos bem humorados, espontâneas discussões e silêncios que dizem tudo e que ocultam a vontade de verbalizar sentimentos profundos. O espectador é convidado a se emocionar ao ver as imagens de cada capítulo da história de Emma e Dexter: ela, uma professora de origem modesta, garota inteligente, reservada e madura. Ele, um apresentador de TV de família abastada, garoto charmoso, imaturo e mulherengo. Assim, os opostos se atraem e levam o público a uma linda jornada de 20 anos de encontros e desencontros, com tristezas e alegrias, perdas e ganhos.

Como Cinema, Um Dia não é excepcional e deixa um pouco a desejar em relação ao livro. Isso ocorre muito em função do roteiro que prioriza o relato fragmentado de pequenos momentos em anos distintos, sem ter uma evolução narrativa que intensifica o drama de amor, de uma forma mais fluída, harmoniosa e criativa. Isso demonstra que David Nicholls é melhor como escritor do que como roteirista, porém é importante considerar que adaptações das Letras para o Cinema costumam perder um pouco deste vigor narrativo, a não ser que o casamento perfeito ocorra entre estes diferentes suportes, além do mais a história em si é distribuída em mais de uma década, o que exige mais habilidade do roteirista e, também, do olhar do diretor. Aqui, Lone Scherfig não tinha o excelente roteiro de Educação, o que deve ter substancialmente influenciado o resultado final da película, mas ainda há um toque muito pessoal na direção porque ela é boa ao dirigir estes dramas românticos vivenciados por atrizes como Carey Mulligan e Anne Hathaway, além de ter habilidade para filmar protagonistas que passam por ritos de passagens, da juventude para a vida adulta. A cineasta também tem um bom gosto na direção de arte, no figurino e em criar um universo fotográfico charmoso que conta romances em inspiradoras locações europeias como Londres e Paris. Sua Emma de Um Dia é bem diferente de sua Jenny de Educação, mas ambas tem estilo, dos modelitos ao penteados, e se transformam durante suas jornadas tanto fisicamente como emocionalmente. Ambas são mulheres apaixonadas e, sob o aspecto da direção de atores, Lone trabalha muito bem com seu elenco. Basta observar que Anne e Jim tem uma ótima química, transmitem seus dramas pessoais também como ser traído, relacionar-se com quem não se ama, ter sucesso ou fracasso na carreira etc e estão bem na atuação ainda que o sotaque de Anne não tenha se ajustado às necessidades do longa e recebido críticas. No mais, destaque especial também para os bons coadjuvantes Patricia Clarkson (Alison, mãe de Dex), Rafe Spall (Ian, namorado de Emma) e Ken Stott (Steven, pai de Dex). Para completar, Lone usa bastante o recurso da trilha sonora para marcar distintas épocas, assim como abusa do apelo emotivo do score de Rachel Portman com a belíssima canção tema We had today. Rachel sabe criar composições melodicamente dramáticas como as de Não me abandone jamais (Never let me go) e, com este score, arranca lágrimas como os livros de Nicholas Sparks.

Com relação à experiência cinematográfica, ela é muito mais como testemunhar a tocante história de Emma e Dexter, cheia de negação de amor e de postergar momentos a dois. É como folhear as páginas das memórias desta amizade e romance, como criar um processo de identificação com este drama. Quem já amou alguém e permaneceu em silêncio ao lado dele(a), esperou-o(a) por um longo período, vendo-o(a) casar e ter filhos, ou se afastar por anos, certamente se identificará com Um Dia. Sem dúvidas, este é um filme para os românticos sofredores, que já amaram ou amam uma pessoa próxima e muito especial , tardaram a tê-la ou nunca a tiveram em seus braços. Além do mais, o humor peculiar das boas falas de Emma e a química do casal protagonista que, está longe e próximo ao mesmo tempo, criam uma empatia com o filme e garante a sessão. Muito do valor desta narrativa está em emocionar pela espera e pela (im)possibilidade de concretização de uma relação afetiva durante anos, assim, ao evocar a história de amigos que se gostam mas que demoram a se envolver amorosamente, Um Dia cria uma conexão de um amor que não é só físico, mas está presente nesta conexão espiritual de um sentimento amoroso e esperançoso que tudo suporta. Para que essa conexão seja verossímil, a construção das personagens é bem pertinente porque Emma é a que tem muito mais noção do seu amor por Dexter. Ela é o porto seguro dele e tem que ser forte ao lidar com este sentimento intenso, de altos e baixos, de fugas contraditórias, por isso a emblemática frase "Eu te amo, mas não gosto mais de você". Enquanto ele é o mais vulnerável psicologicamente, com uma mãe que está doente e um pai com o qual tem uma relação conflituosa, além de ser o homem que tem uma fase regada a mulheres, bebidas, drogas, fracasso na carreira e no casamento.

O filme é muito bonito ao mostrar ao público que o amor aflora de momentos muito simples, únicos e memoráveis. Ele acontece de forma inesperada e se aperfeiçoa no afeto incondicional, de amar sem necessariamente esperar do outro um amor carnal, imediatista. Ele evoca esta história de amor atemporal e perfeita por ser imperfeita; uma história de longos silêncios e esperas, de afirmações e negações, de múltiplas reticências até a chance de vivê-lo intensamente ao menos um dia, ou outros mais, assim como perdê-lo repentinamente. É uma película na qual o amor leva tempo para amadurecer, para ser confessado, para ser vivenciado. Ele vive no coração dos amantes na esperança de Um Dia ser plenamente encontrado e celebrado.

Avaliação MaDame Lumière

O Palhaço (2011)

2011-11-27T17:30:00.001-02:00

Sob a direção de Selton Mello, O Palhaço é uma bela jornada de inspiração Felliniana que ao criar a ilusão cinematográfica do circo, sua trupe itinerante e aparições humorísticas em cidades do interior Brasileiro, trazem ao público um emocionante misto de magia circense com a melancolia de um jovem palhaço. Valdemar (Paulo José) e Benjamin (Selton Mello) são pai e filho, donos do Circo Esperança e formam a dupla de palhaços Puro Sangue e Pangaré. Viajam com sua divertida e excêntrica família circense, fabulosa em evocar a simplicidade, o humor e o amor do circo com poucos tostões no bolso. O elenco coadjuvante que representa os variados tipos: mágico, anão, bailarina, etc encanta com destaque para o Delegado Justo (Moacyr Franco), Paulo José e participações muito especiais de Ferrugem, Jorge Loredo e da carismática atriz-mirim Larissa Manoela, que interpreta a sonhadora e encantadora Guilhermina.

Além da fascinante fotografia assinada por Adrian Teijido, cadenciada em nuances solares e coloridas, a força imagética do filme também está combinada com uma excelente direção de arte de Claudio Amaral Peixoto e figurino de Kika Lopes que misturam uma estética mais regional, interiorana e popular com o excêntrico visual de artistas maquiados e vestidos como parte de um mundo mágico, surreal. Embalado pela bela trilha sonora do músico e produtor Plínio Profeta, O Palhaço tem a sonoridade popular Brasileira com a musicalidade instrumental que interage intimamente com o drama cômico. As texturas fotográficas têm um realismo vibrante e até mesmo, sinestésico, como a imagem das ondas de calor que exalam do asfalto, o suor palpável na pele da bailarina, o olhar contemplativo e sonhador da criança para o picadeiro. O espectador é levado a contemplar um visual mais provinciano, em contato com o público bem popular que comparece às apresentações para dar boas risadas. Este público assume um significado especial ao aproximar mais o Brasil e o circo, cada espectador e O Palhaço.

Selton Mello surpreende como realizador. Sua maturidade como artista é evidente e mais completa: ele roteiriza, dirige, atua e traz a carga reflexiva, melancólica e cômica de um palhaço. O apelo do diretor não é somente de apuro estético e de orquestração fílmica, Selton é bem apoiado pela equipe qualificada que rendeu prêmios ao filme e pelo ótimo roteiro elaborado em parceria com Marcelo Vindicatto. Ao enquadrar em closes a planos mais abertos, ora imagens do popular, ora de paisagens interioranas, seu olhar transformado em diretor de um “circo cinematográfico” é digno de aplausos. Exemplo disso é a relação fílmica que se estabelece entre o público e o palco formado pelos próprios integrantes do elenco: o plano do Delegado Justo conversando com a trupe após uma ocorrência de briga em bar, quando a trupe procura e dialoga com Beto/Deto Papagaio (Tonico Pereira) ou quando Benjamin Pangaré acompanha a conversa de Nei (Jorge Loredo) bem humorada de em uma mesa de bar. A trupe se torna plateia, os outros são palhaços e o Cinema é o grande palco; porém como na vida, nem tudo é riso, surge na narrativa um triste questionamento verbalizado pelo melancólico palhaço Pangaré: “Eu faço o povo rir, mas quem vai me fazer rir?”.

A partir dessa interrogação, o protagonista e a narrativa são bem desenvolvidos para demonstrar que o palhaço está em crise, que há mais tristeza cômica que alegria exacerbada, muito mais perguntas do que respostas, que depois dos gracejos e trejeitos no palco, Pangaré nem mesmo tem certeza se aquele é o seu lugar. O silêncio, a introspecção e a voz entoada para “dentro” na excelente atuação de Selton Mello caracterizam este palhaço que perde o viço e a vontade de entreter o público, fato que é fundamental para tornar o personagem uma incógnita dele mesmo, que sensibiliza e cria um processo de identificação com a platéia, afinal, pelo menos uma vez na vida, alguém teve vontade de viajar mundo afora e encontrar a si mesmo, ou riu com vontade de chorar, na mais verdadeira e humana das emoções. Com essa temática, o filme tem um clima e ritmo mais lentos, uma atmosfera de fábula com uma dose de realidade, que estabelecem uma comunicação com o público de que a jornada é mais dramática do que cômica, mais introspectiva do que extrovertida.

Tal problemática existencial é muito bem estilizada por Selton Mello através de seu personagem, de performático talento e carisma. Para criar um sentido bem maior às escolhas de Pangaré, alguns elementos cenográficos são inseridos como uma certidão de nascimento, velha e amassada, e ventiladores que surgem em diversas cenas. A inclusão do ventilador, elemento do sonho e desejo, é muito interessante e essencial para materializar um propósito e criar mais poesia na narrativa, a da busca por algo que se deseja e que deve ser conquistada. O ventilador não é somente a promessa do frescor do corpo físico, ele gira como um mundo de novas possibilidades, como a hélice de um avião que leva a descobrir outros lugares e novas experiências. Pangaré deseja comprar um ventilador, mas não tem nem carteira de identidade, CPF e comprovante de residência que possibilitem esta compra. O palhaço se torna um cidadão do mundo sem RG, um viajante que entra na vida das pessoas e, logo mais, tem que abandoná-las, um sonhador que parte em busca de uma realidade fora do mundo circense que lhe traga o autoconhecimento e a experiência, que lhe dê a oportunidade de encontrar qual é o seu lugar neste mundo, obter uma identidade na universalidade de sua vocação.

De maneira geral, o filme é muito bom porque o palhaço vem para contestar a ordem de sua própria existência e nos levar à reflexão, logo não é mais um filme de simples entretenimento, mas uma jornada de autodescoberta facilmente aplicada a cada um de nós. Em sua harmonia de roteiro, fotografia, direção e atuação, a força do filme está em se comunicar com o público, que é o desejo de Selton Mello. Ele queria um filme para emocionar e está conseguindo os resultados de suas expectativas, tanto que a recepção do mesmo no Festival de Paulínia foi muito positiva, ganhando os prêmios de melhor ator coadjuvante, direção, roteiro e figurino. Certamente as emoções afloram quando o Cinema é espelho de nossas próprias problemáticas. O Palhaço acerta ao criar uma beleza refinada e ao mesmo tempo capaz de se comunicar com a massa através de um assunto tão mágico como o circo e tão universal como a melancolia que abate o ser humano em variados ciclos de sua vida. Guiado por seu instinto e psicologicamente dividido por duas forças que o impulsionaram para baixo e para cima, o palhaço é uma figura de contestação e de reflexão, aqui não é diferente, como já dizia Fellini. Pangaré tem carisma assim como tinha a Gelsomina (a atriz-palhaço Giulietta Masina) em Estrada da Vida. Ambos têm a singularidade de encantar pessoas com simplicidade, com um estilo caricato tão único em um palhaço, capaz de mimetizar a alegria, a tristeza, o cômico, o trágico que é intrínseco ao ser humano e expressar aquele sentimento em suspenso, com dúvidas e questionamentos, com uma inadaptabilidade a algumas circunstâncias. O Clowning, a Arte de performar, viver e ser um palhaço, tem como excelência o riso como reflexão de outras dores da existência. O Clowning de O Palhaço provê uma reflexão ativa, uma mensagem tocante e de potencial transformação.

O Palhaço é um drama cômico genuinamente sincero e leve, uma homenagem ao circo e a seus artistas; nisso reside o seu real valor: o de ser um filme de coração e alma que tem o tom autoral de Selton Mello, o bom humor Brasileiro, o reconhecimento da Arte Circense do país de tantos palhaços como Benjamin de Oliveira e Valdemar Seyssel “o Arrelia” e ser comercialmente atrativo para o Cinema Nacional. Ele é recomendado por não ter exageros sentimentalistas e, ainda assim, ser cativante, emocionante. Com ele, Selton Mello transformou 90 minutos de projeção em um filme mímesis do palhaço que traz riso e esperança e, como dizia o cineasta Italiano Fellini, também faz bem à saúde.

Avaliação MaDame Lumière

Filme: O Palhaço País/ Ano: Brasil (2011)

Direção: Selton Mello

Roteiro: Selton Mello e Marcelo Vindicatto / Produção: Vânia Catani

Elenco: Selton Mello, Paulo José, Larissa Manoel, Gisele Motta, Teuda Bara, Álamo Facó, Cadu Fávero, Erom Cordeiro, Moacyr Franco, Tonico Pereira, Ferrugem, Jorge Loredo, etc.

Mostra 2011: O dia em que ele chegar (Book Chon bang hyang/ The day he arrives) - 2011

2011-11-06T13:49:00.041-02:00

Com roteiro e direção do coreano Hong Sang-soo, O dia em que ele chegar é o retorno do diretor aos hábitos do Cinema-Metalinguagem de filmes como Oki e Woman on the beach, no qual suas histórias falam de diretores que ora filmam, ora deixam de filmar. O que poderia soar aborrecedor, repetitivo e subjetivo demais na sua filmografia, neste seu último trabalho, apresentado no Festival de Cannes de 2011, não é. O longa é uma leve proposta, melancólica e bem humorada de um protagonista diretor totalmente ocioso. Relata sobre o ex-cineasta, Yoo Seong-jun (Yu Jun-sang) que viaja à Seul para encontrar um amigo crítico de Cinema. Sua estadia na cidade é de caminhadas pelo bairro de Bukchon, bebedeiras e muita conversa jogada fora. Ele encontra estudantes de Cinema, sua ex-namorada, novos flertes e toma clássicas biritas como o makgeolli (vinho de arroz) em um bar de Insadong. Tendo se aposentado, o ex-cineasta vive o anonimato de não ter nada para fazer e de não ter chegado à lugar algum, além de evidenciar na narrativa que não resolveu nada na vida, tanto de ordem afetiva como o relacionamento mal resolvido com sua ex, Kyungjin (Kim Bok-yung) como também de ordem profissional como os poucos filmes os quais ele nem comenta a respeito.

É um filme bom e peculiar, baseado em conversas descontraídas, simples, engraçadas e tristes, e também em enquadramentos recorrentes. Por não exigir uma profundidade de atenção à narrativa e na reflexão sobre a mesma, ele se torna mais leve, envolvente e, por incrível que pareça, desperta a curiosidade para descobrir qual é o propósito de Hong, principalmente com o dejà vu que é orquestrado pelo diretor com o seu montador Hahm Sung-won, no qual há repetições de planos semelhantes como o encontro de Yoo na rua com a mesma jovem atriz e com os mesmos estudantes de cinema, a conversa na mesma mesa do bar entre amigos, o mesmo local para o qual Yoo se dirige a fim de tomar um fôlego pós-bebida e fumar um cigarro, o beijo e a noite de sexo com Yejeon (Kim Bok-jung), a dona do bar, que se parece com sua ex Kyungjin e é interpretada mesma atriz, as mensagens SMS no celular de Yoo enviadas pela ex-amada, as falas de amor de Yejeon e Kyungjin que assemelham e se repetem e que não provocam efeito algum no cineasta, que aparenta aversão a compromissos amorosos.

O expectador é conduzido a acompanhar as andanças de Yoo e, de forma bem circular, voltar às cenas semelhantes com o bate papo regado à bebida, as paqueras com as bonitas garotas, a sensação de que ele não tem nada para contar sobre sua carreira cinematográfica na provinciana Daegu. Definitivamente, parece ter parado no tempo! E a pergunta que fica é: Quem era o diretor Yoo Seong-yun? Não se sabe, as conversas tem pessoas do meio cinematográfico: um crítico, uma professora, um ator, porém se fala de qualquer coisa que não seja profundamente falar sobre cinema. Esta escolha do diretor roteirista também demonstra que esta é a vida de Yoo, de total inércia perante sua carreira. O Cinema, a grande Arte de contar histórias, já não faz parte do dia a dia dele, ele já não sabe mais contar nada sobre ele e nem sobre os outros, o que pode ser potencialmente comum quando um diretor pendura a câmera. No geral, o recurso narrativo da repetição é uma das melhores virtudes da fita, pois estiliza e formaliza em cena o quanto emocionalmente este diretor tem um bloqueio existencial e é patetico até mesmo para lidar com as mulheres, levando-as para a cama, fazendo com que se apaixonem e verbalizem declarações de um amor que não é vivenciado, que mais parece uma promessa surreal, romântica ou de pós-coito. Yoo é incapaz de dar um rumo diferenciado à sua vida. Suas andanças materializam o completo ócio, em dias presentes que se repetem como reminiscências dos dias anteriores.

O belo tom imagético invernal, com a queda da neve, o beijo roubado no entardecer, o dia que logo se fará noite, ou se restringirá a uma mesa de bar em um ambiente fechado, sempre em preto em branco, contribui bastante para a sensível atmosfera do filme e, conjuntamente com a repetição, causam a impressão de um longa sem um tempo cronológico, que poderia ser inserido em qualquer momento, e se perpetuar como se não houvesse nem dia e nem noite, como se a relação tempo-espaço fosse ilimitada mesmo com a limitação narrativa em cenários tão recorrentes. No mais, fotografia e elenco mantêm o interesse do espectador pela fita: a incrível fotografia P&B de Kim Hyung-koo, elaborada com a beleza singular de uma nitidez capaz de extrair cores em branco e preto agrega um diferencial à sua qualidade e é inicialmente bem perceptível e impactante. Os atores representam bem, são agradáveis e estranhamente engraçados, como o crítico de Cinema Young-ho (Kim Sang-joong) e a professora de Cinema Boram (Song Sun-mi), charmosos e atrativos o suficiente para serem bons companheiros de alcool e de bate papo. Em cada novo gole e prosa, o expectador é impelido a gostar deles, concordar com frases cheias de verdade que falam de solidão, amor, sonho e qualquer coisa que combine com um pouco de embriaguez.

Avaliação MaDame na Mostra

4 estrelas

O dia em que ele chegar

Mostra 2011: Maria my love (2011)

2011-11-05T22:00:00.003-02:00

Quando a perda faz encontrar a si mesma

Se há um gênero que funciona muito bem com o Cinema Independente Americano, este é o drama. É uma boa oportunidade para que o expectador mergulhe em uma atmosfera fílmica de um cotidiano mais real, verossímil, catártico, desta forma, voltando o seu olhar para a contramão dos grandes blockbusters da fábrica de ilusões Hollywoodianas, e se conectando com os desafios emocionais tão inerentes ao ser humano. Maria my love é um destes filmes independentes que, na simplicidade de evocar um drama pessoal e familiar, aproxima-se do público através da história de Ana (Judy Marte), uma jovem garota que vive na Califórnia e tenta refazer sua vida após a morte da mãe. Tendo uma relação distante, mal-resolvida e de profunda mágoa com o pai, a princípio, resta-lhe somente a convivência com o novo namorado Ben (Brian Reiger) e com sua meia-irmã Grace (Lauren Fales), no entanto, mais tarde, ela decide embarcar em uma missão de ajudar à alguém, e conhece Maria (Karen Black), uma solitária senhora com problemas psicológicos que acaba por desafiar emocionalmente Ana.

Selecionado para o Tribeca Film Festival e vencedor do HBO's New York International Latino Film Festival, ambos de 2011, o longa dirigido por Jasmine McGlade Chazelle tem características de um independente com influências cenográficas e narrativas latinas em um cenário Americano: a atriz Judy Marte tem origem Dominicana e, portanto, cria esta relação da personagem com o meio em questão; o enredo se desenvolve em um bairro da periferia da Califórnia; alguns enquadramentos fotográficos são realizados com imagens revigorantes e coloridas, de efeito solar natural e com closes em flores da região que remetem à publicidade do cartaz; alguns detalhes que compõem o roteiro incluem música hip hop e referências à street dance, comuns nos subúrbios da comunidade Latina, e coexistem no drama importantes questões familiares como os conflitos e perdas que acometem os jovens. Maria my love é um filme mais intimista e pode ser a história de qualquer pessoa comum, logo, imageticamente, o filme reflete o cotidiano dramático de uma garota latina e uma maneira mais caseira e independente de fazer Cinema nos USA, tendo como um dos pontos desfavoráveis a qualidade da fotografia, cuja textura deixa um pouco a desejar.

O ponto mais favorável é a atuação conjunta de Judy Marte, mais centrada no drama da sua personagem com a ótima participação coadjuvante de Karen Black, que vem a agregar à narrativa o início da catarse necessária à Ana. O filme se apóia mais na atuação de Judy, filmada em diferentes closes e em pequenas situações de confronto, seja consigo mesma, seja com o namorado, a meia-irmã e Maria. Claramente, a responsabilidade maior é de Judy pela atuação de protagonista, que a realiza bem e sem muitos sentimentalismos, o que é positivo e coerente, considerando que o longa tem um estilo mais Indie, e Ana está em uma fase emotiva, porém tem uma personalidade racionalmente mais orgulhosa. Por outro lado, pela maior maturidade e experiência interpretativas e in(sano) papel, Karen Black dá ao longa o sabor dramático e cômico e, em menos tempo de fita, é a melhor atuação. Seu papel é interessante pois, por trás de sua intempestuosa loucura, é a pessoa que desafia e ajuda Ana a olhar para dentro de si e buscar um recomeço.

O longa somente se torna interessante, em termos mais reflexivos para a experiência cinematográfica, quando se compreende que uma complementa a outra em determinado avance da película. Ambas são solitárias mulheres que, de diferentes maneiras e com idades distintas, não se enquadram ao mundo. Ana está passando por uma fase de introspecção, de perda familiar e de si mesma, de tentativas de entender seus sentimentos, colocar os pés no chão e conviver melhor com as pessoas à sua volta. Maria é uma mulher de personalidade e convívio mais difíceis por conta do alterado psíquico que exige compreensão, tolerância e cuidados alheios. Nesta ensolarada Primavera que contrasta com as cinzentas emoções de Ana, sua jornada pode terminar em um florescer para a vida, assim como a flor símbolo do filme, porém para que isso ocorra, há um caminho de autoconhecimento para compreender suas limitações e a dos demais, ser tolerante com os erros e saber recomeçar mesmo com as ausências afetivas.

Avaliação MaDame na Mostra

3 estrelas

Maria my love

Mostra 2011: Os Filmes Vencedores da Crítica e do Público

2011-11-04T22:00:00.001-02:00

Confira os vencedores da 35ª Mostra Internacional de Cinema São Paulo, nas principais categorias participantes:

Troféu Bandeira Paulista

Melhor Filme: Respirar, de Karl Markovics

Melhor Documentário: Marathon Boy, de Gemma Atwal

Prêmio da Crítica

Melhor Filme: Era uma vez na Anatólia, de Nure Blige Ceylan

Prêmio Especial: Sábado Inocente, de Alexander Mindadze

Melhor Aquisição de Curta Metragem (Canal Brasil):

A casa da Vó Neide, de Caio Cavechini

Prêmio do Público

Melhor Ficção - Brasil:

Teus olhos meus, de Caio Soh

Melhor Ficção - Internacional:

Desapego, de Tony Kaye

Frango com ameixas, de Marjane Satrapi e Vicent Paronnaud

Melhor Documentário - Brasil

Raul - O início, o fim e o meio, de Walter Carvalho

Vai, vai, 80 anos nas ruas, de Fernando Capuano

Melhor Documentário - Internacional

Batidas, rimas e vidas - As viagens de a Trible called Quest, de Michael Rapaport

Prêmio Itamaraty

(em reconhecimento às produções nacionais baixo orçamento)

Melhor Ficção:

Eu receberia as piores notícias de seus lindos lábios,

de Beto Brant e Renato Ciasca

R$ 45 mil

Melhor Documentário:

Raul - O início, o fim e o meio, de Walter Carvalho

R$ 39 mil

Melhor curta-metragem:

Cine Camelô, de Clarissa Knoll

Prêmio da juventude

Uma incrível Aventura, de Debs Gardner-Paterson

Atom Egoyan

Homenagens especiais:

Prêmio Humanidade Leon Cakoff

Atom Egoyan

Mohsen Makmalbaf

Prêmio Itamaraty (pelo conjunto da obra)

Hector Babenco

MaDame Lumière parabeniza todos os vencedores por MostraR

um cinema de qualidade e vencedor!

Mostra 2011: A Ilusão Cômica (L'Illusion Comique) - 2010

2011-10-30T16:06:00.048-02:00

Após ganhar o prêmio de melhor Diretor no Festival de Cannes em 2010 por Tournée, Mathieu Amalric retorna à direção com o seu segundo longa, A Ilusão Cômica, baseada na homônima obra clássica (1635) de Pierre Corneille, que conta a história de um pai, (Prindamante, o ator Alain Lenglet) que procura seu filho desaparecido (Clindor) com o qual tem uma relação distante. Para encontrá-lo, contrata um mágico (Alcandro), que com sua bola de cristal acompanha a tragicômica vida do jovem. A aventura metalinguística de Amalric em unir o teatro e o Cinema cria um resultado bem interessante, que causa um inevitável estranhamento do espectador com a narrativa milimetricamente rimada em Alexandrinos em pleno cenário de uma Paris contemporêa, assim como provoca substancialmente o ilusionismo cinematográfico, levando o público a pensar se aquilo que se vê está realmente acontecendo. Para lançar luz à magia narrativa feita por Amalric, o mago Alcandro, intepretado por Hervé Pierre, um porteiro metido à detetive que usa as câmeras de uma sala de segurança como bola de cristal, lança a seguinte frase: "Acredite somente no que você vê".

Financiado pela Comédie Française em uma iniciativa que adapta peças da comédia do repertório teatral Francês para o audiovisual, primeiramente, a obra foi feita para a TV, por isso mantém uma identidade com esta plataforma como uma série televisiva. Visualmente, seja pela agilidade do registro, seja pelo suporte da TV, é fácil imaginar a película na TV5 Monde, contudo, o que se sobressaí nesta produção é que ela ainda é um bom e surpreendente filme dadas as condições rígidas de se manter a fidelidade ao texto de Corneille e o estranhamento de se acompanhar um filme cujo texto é teatral, com atores pronunciando rimas em clima solene como se estivessem no período Renascentista.

Ainda que a narrativa pareça confusa, de difícil assimilação como um jogo de espelhos movido por tramas de paixão, ciúmes, traição e assassinato, Amalric demonstra que tem controle sob a direção e muito talento por conseguir rodá-lo em 12 dias, prazo imposto pelo programa. Realizou um filme dinâmico, com ritmo que mantém a curiosidade do público como uma brincadeira de um ilusionista com a plateia, como um convite ao voyeurismo realizado pelas câmeras de segurança. Por outro lado, o filme ainda se prende muito ao texto de Corneille como se fosse um teatro em 35 mm, o que limitou explorar melhor outros recursos narrativos e linguísticos na adaptação e até mesmo o trabalho com os atores que tinham que decorar um texto original e proclamá-lo independente de suas demais reações intepretativas ao fazer Cinema. Felizmente, o elenco que faz parte do triângulo amoroso principal é jovem, bonito e tem intimidade com o texto teatral, o que desperta interesse em apreciá-los não só pelo romance e sedução da obra como pela disciplinada atuação pautada em uma experiência prévia com o teatro. Uma parte são atores provenientes da Sociedade de Comédia Francesa, e os protagonistas deste trio convencem: Loïc Corbery é Clindor, o filho procurado pelo pai, Suliane Brahim é Isabelle, sua amada rica, Lyse (Julie Sicard), a amante rejeitada.

Muito mais do que uma obra na qual o pai tenta se aproximar do filho e saber o que se passa com ele com a ajuda de um mágico, A Ilusão Cômica é um filme que faz refletir sobre como o Cinema cria uma ilusão que facilmente o expectador aceita, compra a ideia, mesmo que o que se vê lhe seja claramente uma ilusão, um espetáculo mágico, uma estranha imitação. A todo o momento de projeção, o que se vê é mais um teatro cinematográfico, do que um Cinema que usa o teatro como inspiração e o espectador tem como desafio unir estas duas Artes, entre o registro imagético contemporâneo de Amalric e um texto de séculos atrás. Verdadeiramente, a sensação é a de que aquilo é um anacrônico faz de conta Cornelliano pelos corredores do Hotel do Louvre que está ali para um entretenimento voyeurista ou, no mínimo, que os atores enlouqueceram e decidiram recitar religiosamente Corneille. Isto não torna a obra de Amalric menor, pelo contrário, o filme tem uma dose cômica pelo próprio estranhamento do texto com o registro, tem frescor com uma pegada moderna e elegante e um final surpreendente que só reforça a ilusão criada na mente do público. O longa confirma que Amalric é um inventivo diretor, aberto a novas ideias que aproximam as fronteiras entre as distintas linguagens.

Avaliação MaDame na Mostra

4 estrelas

Mostra 2011: O Trovador Kerib (Ashugi Qaribi) - 1988

2011-10-30T14:04:00.041-02:00

A Retrospectiva da Mostra de SP é uma adorável caixinha de surpresas que após ser aberta provoca diferentes emoções. Existem aqueles sentimentos de contentamento e gratidão ao descobrir ou se aprofundar na obra de um cineasta que pouco se viu ou pouco se tinha acesso. Para casos como estes, a Mostra se torna uma amiga e uma aliada para que as pessoas conheçam mais sobre Cinema e desenvolvam mais repertório de distintas cinematografias. Há também os sentimentos de insatisfação quando um filme não correspondeu às expectativas. Por outro lado e, geralmente, a Retrospectiva é uma programação essencial para o tom festivo de um evento deste porte porque ela tem em sua inerente beleza o poder de despertar aqueles sentimentos de celebração e nostalgia ao assistir novamente a obra de um grande cineasta. Para a alegria de cinéfilos e potenciais novos cinéfilos, a 35ª edição da Mostra realiza as retrospectivas de Sergei Paradjanov, diretor Georgiano com origem Armênia, conhecido por obras como A lenda da fortaleza Suram, A cor da Romã e O Trovador Kerib, e também Elia Kazan, o mestre de clássicos como Vidas Amargas, Clamor do Sexo, Uma Rua chamada Pecado e Sindicato dos Ladrões.

Em O Trovador Kerib, um dos seus últimos trabalhos antes de sua morte em 1990, vítima de câncer, Paradjanov tem um trabalho de temática simples: O Amor; porém bem peculiar em sua beleza plástica, com forte característica folclórica oriental ao filmar as imagens do legado lendário e popular de origem secular Turca. Na história de temática amorosa, Achik-Kerib (Youri Mgoyan) é um jovem e pobre músico que canta em casamentos e toca a saaza (balalaica Turca). Ele se apaixona pela filha de um rico comerciante que proíbe a união do casal. Com profunda tristeza e disposto a ganhar dinheiro, Kerib parte para exílio e é dado como morto. A jornada do trovador dura 7 anos e é mágica, com altos e baixos e uma atmosfera de fábula na qual a música, a dança, o amor e a morte são matérias-prima essenciais para criar esse fantástico mundo Paradjanoviano. A sua jornada de solidão e sofrimento é encerrada com o néctar da possibilidade de ser feliz ao lado de sua amada, quando ele retorna à sua casa.

Paradjanov apresenta um filme que é um exílio do amor, um canto de sofrimento e morte, uma evocação da sublime beleza imagética Oriental. A temática vida-amor-morte faz todo o sentido para o drama de um amor jovem proibido, muito bem interpretado por Youri, que tem uma empatia com a câmera ao mostrar seu rosto entristecido mas, ao mesmo tempo, disposto a ganhar o mundo, a transitar nas fronteiras da dor e do amor. Como toda fábula amorosa que ganha os terrenos das vivências do ser humano, o amor e a morte estão mais próximos do que se possa imaginar, basta lembrar o quanto amar e não ter a chance de vivenciar um amor é doloroso. Quem foi rejeitado no amor e quis desaparecer no mundo ou voltar melhor do que antes? Quem foi impedido de viver um amor e desejou morrer nem que fosse por alguns minutos? Certamente, várias pessoas cantaram um exílio amoroso como Kerib.

Esteticamente, ainda que o filme tenha uma cópia rara e antiga, ele conquista pelo poder da exótica imagem. A direção de arte é tão peculiar, imensamente oriental como a tecer uma pintura em película, que a sensação durante a experiência cinematográfica é a de que o filme não foi produzido na década de 80, mas em tempos bem longíquos e antigos antes mesmo da existência do Cinema. Do uso de artes visuais de forte impacto cultural a músicas folclóricas sobre o amor e a morte, o longa conta com uma boa e expressiva dramatização, que exagera na atuação para tornar o plástico mais aflorado, como exemplo: a mãe desesperada que chora a morte do filho, o autoritário pai rico que não deseja um genro pobre, a jovem garota entristecida pela partida do amado. A expressividade dos atores, mesmo quando aborrecidos com seus rostos que mal expressam um sorriso, é de suma importância porque o longa é trabalhado com menos diálogos e mais imagens, além do som deixar a desejar, uma característica que poderia ser melhor aperfeiçoada, sem muitos ruídos.

No geral, O Trovador Kerib é um belo filme legado da obra de Paradjanov, um dos mais célebres cineastas Soviéticos após seus antecessores como Eisenstein e Tarkovsky e digno de receber uma Retrospectiva não somente pela sua artística cinematografia mas também por ter sido um cineasta perseguido e preso injustamente pelas autoridades Soviéticas e que sofreu preconceito por ser homossexual. Paradjanov deve ser apreciado com bons olhos pois desenvolveu uma linguagem cinematográfica muito própria, enraizada em uma narrativa de sublime expressão criativa, de inspiração mítica e poética.

Avaliação MaDame na Mostra

4 estrelas

Mostra 2011: Ninguém além de você (Poupoupidou) - 2011

2011-10-29T12:37:00.033-02:00

Truffaut deve estar se revirando no túmulo. O Cinema Francês apresentado na Mostra 2011 não tem apresentado filmes tão bons como o do último Festival Varilux de Cinema Francês, no qual era possível conferir boas opções com estrelas como Catherine Deneuve e Gerard Depardieu (Potiche), Audrey Tautou (Uma Doce Mentira), Sandrine Bonnaire (Xeque Mate) e Isabelle Huppert (Copacabana). Ainda que o Cinema evolua com a contemporaneidade de novas formas de contar uma história, novas mentes criativas, novas propostas estéticas e narrativas, faltam histórias que conquistem pela emoção que cativa ou pela razão que faz pensar e transformar, afinal, o Cinema possibilita este exercício de catarse e reflexão. A sorte é que ainda dá para encontrar alguns filmes com boas intenções, mesmo que eles não sejam espetaculares, como é o caso de Ninguém além de você.

Dirigido por Gerald Hustache-Mathieu, o filme não é de todo ruim e consegue apreender a atenção e curiosidade do espectador por ter um desdobramento investigativo em sua narrativa, porém está longe de se tornar inesquecível. A intenção foi boa e a ideia original tem um traço de peculiaridade, o que já possibilita dar um crédito à obra. Trata-se de um suspense que recria o mito de Marilyn Monroe e pode ser encarado como uma homenagem Francesa à diva Americana que faleceu em circunstâncias misteriosas, ou como um filme para deixar o público inquietado sobre como foi a morte de Marilyn e buscar saber mais sobre a estrela. A história ocorre em uma cidadezinha fria da França, Rosseau (Jean-Paul Rouve) é um escritor de suspenses que está com bloqueio criativo e decide investigar a morte de uma famosa modelo, Candice Lecoeur (a bela Sophie Quinton), que supostamente se suicidou com a ingestão de pílulas. Candice nasceu no mesmo dia de Monroe e levou uma vida de várias similiaridades: de origem humilde, pseudo-loira, bonita, desejada, solitária, amante, aparente uma suicida. Para dar mais verossimilhança ao viés narrativo adotado, o roteiro inclui alguns detalhes biográficos: o romance de Candice com o político local, um Kennedy a la Francesa, e o diário, que se refere ao hábito que Monroe tinha de escrever seus fragmentos existenciais.

A inclusão do diário é interessante pois um objeto relacionado à leitura e à escrita cria uma ponte comunicativa entre Rousseau e Candice, ambos escrevem, ambos lêem um ao outro. Quando viva, ela já o tinha como fã, embora não se conhecessem pessoalmente. Agora, ela está morta, ele está vivo e obcecado pela beleza e sentimentos da falecida e suas anotações íntimas e reveladoras. Além do mais, o diário assume uma função de personagem coadjuvante, uma testemunha, um registro cujas informações ajudam Rosseau a investigar o crime e ter alguns insights sobre a possibilidade de assassinato. Ele realmente acredita que Candice não se suicidou. O filme se desenvolve com bastante flashback e narração em off com a trajetória de Candice: da descoberta de sua encantadora beleza e o trabalho como modelo e garota propaganda para o queijo "Belle de Jura" até a sua morte. O roteiro é mediano e tem a deficiência de ter uma "viagem narrativa" do roteirista que foi misteriosamente colocar Rousseau na trilha de Candice, como um chamado sobrenatural, um amor platônico que surgiria nas fronteiras da vida e da morte, o que é bem forçado, diga-se de passagem, mas compreensível para ocupar o tempo e o coração de Rosseau. É perceptível que a recriação do mito Marilyn Monroe por Sophie Quinton não é extraordinário embora a atriz tenha o seu charme blondie e tem uma atuação regular, não comprometedora, deixando a Jean-Paul Rouve boa parte da responsabilidade por levar o filme.

A escolha de colocar uma Marilyn comum, uma garota do cotidiano que teve a chance de ser modelo é boa, pois recriar o mito aproxima o mítico do que é o real, o diário. Faz imaginar que há várias Marilyns que morrem em circunstâncias misteriosas, belas e abandonadas na solidão após serem tão admiradas, basta ver duas cenas tocantes do filme, um no início no qual ela está morta e a final que revela como foi a sua morte. Neste sentido, é de partir o coração lembrar que Marilyn brilhou na sua carreira e curta vida, mas foi uma mulher usada pelos homens, atraídos somente pela sua beleza e vulnerabilidade. O filme se encarrega de mostrar cenas com a voz de Candice narrando o próprio diário e se vê, como nas biografias de Marilyn Monroe, que ela não tinha somente um corpo e rosto bonitos, ela era uma mulher inteligente e sensível que dá vontade de simplesmente dizer: Marilyn, não havia ninguém além de você!

Avaliação MaDame na Mostra

3 estrelas

Mostra SP 2011: Jimmy Rivière

2011-10-26T01:18:00.015-02:00

Jimmy Riviere, do realizador Francês Teddy Lussi-Modeste, faz parte da gama de longas de novos diretores. O cineasta buscou inspiração em suas origens ciganas e, no roteiro elaborado com Rebecca Zlowtowkski, criou um protagonista também cigano. O longa relata a história de um jovem em crise com suas próprias escolhas, lutando contra os desejos carnais e suas crenças espirituais. Jimmy Rivière(Guillaume Gouix) tem uma personalidade bastante passional e impulsiva, com passado movido a sexo, brigas e bebedeiras e um histórico de ter sido abandonado pelo pai. Para Jimmy, há 2 paixões: o boxe tailandês, sob a influência de sua treinadora Gina (Beatrice Dalle), e sua namorada, Sônia (Hafsia Herzi) com a qual ele aflora e coloca em prática seus intensos desejos sexuais. Ao conviver com sua comunidade local, que vive em trailers como nômades modernos e seguem uma religião cristã Pentecostal, ele é percebido como um potencial líder carismático, principalmente pelo pastor. Acaba se convertendo à religião e daí, começa a batalha espiritual. A dicotomia carne x espírito, que é inerente a muitas pessoas, será a sua principal luta, inclusive mais dolorosa do que levar uma porrada no ringue.

Jimmy Rivière tem boas intenções como Cinema Francês : boa fotografia e uma problemática que é comum ao ser humano: a dúvida entre as paixões terrenas e a vida mais sagrada, dúvida que atormenta e que pode trazer uma libertação ou simplesmente um aprisionamento; mas como diz o clichê, de boas intenções o inferno também está cheio, o roteiro é fraco, repetitivo e não evolui a narrativa para desenvolver bem o personagem. Jimmy é um jovem imaturo até para lidar consigo próprio e o roteiro não dá conta de torná-lo mais interessante, o que o empobrece como protagonista. Entre uma transa e outra com Sônia, uma ida os treinos de boxe, escondido, e algumas mentirinhas, Jimmy não aprofunda o drama existencial de seu dilema. O filme perde a chance de mostrar, com mais afinco e realismo, as desastrosas consequências emocionais de realizar algumas renúncias sem estar comprometido com uma conversão religiosa e uma esperada mudança de estilo de vida. Por outro lado, para não detonar totalmente o longa, pode-se reconhecê-lo pelo benefício de trazer à tona uma polarizante reflexão: a luta entre o carnal e o espiritual. Além do mais, abrir o diálogo para uma questão controversa: as pessoas se convertem a Deus ou aos dogmas impostos por homens? Certamente, cobranças sociais e julgamentos de toda especie serão feitos após uma conversão, e os olhos humanos atuam mais como juízes do que os de uma entidade espiritual superior, infelizmente.

Avaliação MaDame na Mostra

2 estrelas

MaDame na 35ª Mostra de SP

2011-10-25T23:46:00.030-02:00

MaDame clicando e curtindo o último sabadão de Mostra

A 35ª edição da Mostra SP está a todo vapor, com cinéfilos curtindo o bom cineminha de 21 de Outubro a 03 de Novembro, com 22 salas de exibição em SP. Como de praxe, muita movimentação na cidade, ingressos esgotados para os filmes mais concorridos, maratona de Cinema com muitas pessoas assistindo um longa após o outro. A Cinefilia invade prazeirosamente o cotidiano da Pauliceia e o mundo do Cinema fica mais íntimo para o público: aparecem atores e atrizes, diretores, roteiristas, produtores, críticos e professores de Cinema, etc e é comum, emocionante e divertido dar de cara com eles em uma sala ou outra. A Mostra se torna o espaço de união de uma grandiosa família cinéfila. Tudo vale a pena porque a cidade fica ainda mais cultural, mais cinematograficamente bela.

MaDame sempre dá um jeitinho de prestigiar o evento, fazendo alguns sacrifícios inerentes a quem está trabalhando muito e envolvida em vários projetos. Mesmo com a correria do dia a dia, a paixão pelo Cinema me move a estar aqui e acompanhar esta Mostra. A delícia deste valioso evento é compartilhar e trazer a experiência cinematográfica aqui no blog para que vocês possam conhecer e se inspirar em explorar novas cinematografias. É isso que farei: falarei sobre uma seleção de filmes, em pequenas doses, para o deleite e uma memória que não pode ser esquecida.

Esta edição da Mostra não está tão movimentada como a do ano passado. Nem todos os filmes que estão em exibição tem a força da gama de longas apresentados em 2010 e perdemos o idealizador e criador da Mostra, Leon Cakoff, porém continua um grande e imperdível evento, com uma atmosfera que oxigena a mente, libera emoções e injeta uma dose incrível de mais e mais amor pela sétima Arte.

Inté!

MaDame Lumière

Amizade Colorida (Friends with Benefits) - 2011

2011-10-16T14:17:00.035-02:00

Justin Timberlake está de volta aos Cinemas, com seu corpo sarado, charme e carisma sedutores. Para acompanhá-lo em Amizade Colorida, nova comédia romântica dirigida por Will Gluck, colocaram Mila Kunis, a beldade que teve um momento gaylicious com Natalie Portman em Cisne Negro e, agora, adentra os romances com sua sexy docilidade. Ambos são bonitos, simpáticos e têm uma química sexual envolvente, a qual coopera para que o público torça pela sua felicidade, na cama ou fora dela, e exercita a sua verve voyeurista com risos e suspiros.

O viés do filme é explicado pelo próprio título: Amigos com benefícios, em inglês, ou com o brasileiro termo "amizade colorida". Dylan (Justin) e Jamie (Mila) se conhecem em um aeroporto quando ele sai de Los Angeles, sua cidade natal, e é contratado para trabalhar como editor em uma revista em Nova York. Ela está desapontada com os relacionamentos e acabara de levar um fôra do ex, que colocou nela vários defeitos. Ele também levou um 'chega pra lá' da namorada Kayla (Emma Stone, em rápida aparição), que comenta que ele tem traumas para se envolver com uma mulher. Após alguns encontros, Dylan e Jamie cedem à mais simplista das idéias do sexo contemporâneo: "Vamos transar sem compromisso"? A partir daí, começam cenas quentes e divertidas que só são válidas porque os protagonistas agradam e são bonitos de ver.

O roteiro trabalha com a linearidade esperada para este tipo de filme, a de que antes vem o sexo e depois nasce a chance para um promissor amor . Justin e Mila são, no mínimo, "fofos em cena" e o desejo é dizer-lhes: "Transem muito e se envolvam afetivamente pra valer!" Além do mais, o roteiro e direção não pecam e cansam em demasiado como em outros longas do gênero, e entregam uma comédia que cria uma empatia com o público jovem, que acredita em sexo e romance bons. Para completar o recheio do filme, há uma trilha sonora bacana com regravações de Boys don't cry, do The Cure, com voz de Grant Lee Philipps, New York, New York com interpretação de Ray Quinn, e as agrabilíssimas Take a Bow do Greg Laswell e Closing Time do Semisonic. Participações bem especiais e competentes acontecem para dar um toque mais degustativo ao longa e criam momentos legais: Woody Harrelson é Tommy, Editor de esportes da Revista e gay, e Richard Jenkins é Mr. Harper, pai de Dylan, que em poucos minutos de cena, já demonstra porque é um maravilhoso ator.

Para quem assistiu Sexo sem compromisso com Ashton Kutcher e Natalie Portman, verá semelhanças no enredo, a fórmula não é novidade. A idéia é: o sexo casual, um disk sex entre amigos, transa boa, divertida e satisfatória, pessoas que fogem de relacionamentos estáveis e a negação de que há um sentimento mais amoroso no ar. Justin Timberlake não é um super ator, mas é mais verossímil e menos forçado que Ashton Kutcher, além de estar em ótima forma física, que poderá ser conferida com os closes em seu lindo bumbum. Ao vê-lo transando com Mila Kunis, é possível que alguém diga: "Até eu poderia querê-lo como um amigo com benefícios". Por outro lado, a experiência de encenar uma comédia é bem vinda para Mila, pois é uma forma dela se envolver em outros nichos e potencializar sua disponbilidade para outros trabalhos já que a vida lhe deu de presente a beleza e a sensualidade. Certamente, há uma distância exorbitante entre um filme como Cisne Negro, um filmaço de Darren Aronovsky, e uma palatável comedia romântica como Amizade Colorida, porém para Mila, que caiu nas graças de Hollywood, ela tem que aproveitar as oportunidades e encher o seu cofrinho.

No geral, o filme é divertido e não é tão vazio. Há cenas bem sentimentais com Dylan e Jamie em Hollywoody e Mr Harper e Dylan em uma conversa franca de pai para filho, nestes momentos vemos a emoção do longa. Dylan é um cara legal que está se adaptando à loucura de Nova York, encontrar Jamie, uma garota carente e mente aberta não é nada mal. Ambos tem a ausência de um dos pais e tem pouco diálogo com os que permaneceram. Dylan foi abandonado pela mãe. Jamie não conheceu o pai. Dylan tem um pai com Mal de Alzheimer e Jamie tem um mãe com síndrome de sumiço temporário. Este é um ponto interessante na comédia porque, o fato do relacionamento de seus pais não terem dado certo, pode refletir na forma como eles encaram suas relações e é um contraponto bem mais reflexivo para que cada um identifique até que ponto segue os mesmos padrões dos pais ou de outros relacionamentos passados, além disso o filme faz a gente pensar nas fronteiras entre amor e amizade e vale como benefício.

Avaliação MaDame Lumière

35ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo

2011-10-16T12:00:00.003-02:00

Está chegando a hora da 35ª edição da Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, que acontece de 21 de Outubro a 03 de Novembro, com a exibição de cerca de 250 filmes em 22 salas de Cinema. Neste ano, cinéfilo que é cinéfilo, sentirá alegria e tristeza no coração, na emoção mais contraditória que possa existir: a alegria de celebrar mais uma Mostra, um evento de grande renome cultural para a cena cinematográfica Brasileira, da qual temos que nos orgulhar e comemorar a sua existência, mas também a dor de saber que seu idealizador, Leon Cakoff, faleceu em 14 de Outubro, às vesperas de mais um evento do fantástico e visionário legado que ele mesmo criou.

Para homenagear todos os esforços de Leon Cakoff, mesmo com a tristeza pela perda deste grande jornalista e crítico de Cinema, prestigiar a Mostra é o melhor presente que podemos dar a ele, continuamente amar e celebrar o Cinema em sua expressão mais caledoscópia de várias cinematografias, de beleza universal e deleite visual . Assistir a Fausto, de Aleksander Sokurov, vencedor do Leão de Ouro de 2011, dar risadas com O Palhaço, de Selton Mello, babar diante das versões restauradas de Taxi Driver, de Martin Scorsese e de Laranja Mecânica de Stanley Kubrick e se emocionar com os clássicos de Elia Kazan e com a música de Nino Rota em célebres obras como La Dolce Vita, de Fellini e O Leopardo, de Visconti. Isso é Mostra de Cinema, é disfrutar do mundo cinematográfico que estará por aqui por duas semanas e ter a certeza que a jornada será inesquecível e de valor incalculável.

Passeando pelo Conjunto Nacional na Avenida Paulista durante a semana, local onde há o stand de venda dos ingressos para a Mostra, clicks exclusivos por MaDame Lumière foram registrados com as imagens de "esquenta" para o grande evento. No cartaz deste ano, a Mostra ganhou a carismática Arte do desenhista Mauricio de Sousa, que o compôs com o personagem Piteco, simpático homem da idade das Pedras, criado pelo cartunista em 1964. A idéia de incluir o personagem foi do próprio Leon Cakoff e já cria um vínculo emocional entre o cartoon e o publico. Ao ver o sorriso do Piteco e o gesto com sua mão, há uma genuína homenagem declarada: no mais primitivo de todo o homem, já impera o gosto pela luz e sombra, pelo atemporal Cinema.

Visite o site da Mostra

Obrigada, Leon Cakoff. Obrigada pelo Cinema sem Fim

2011-10-15T20:15:00.014-03:00

O visionário criador da Mostra, Leon Cakoff faleceu em 14 de Outubro. O Cinema fica mais órfão destes grandes pais que com suas idéias empreendedoras movem a Sétima Arte a patamares de evolução. É triste, é sempre difícil receber notícias como esta porque o Cinema é uma grande família, na qual a gente enxerga em outro cinéfilo uma parte de nós, a do amor e da dedicaçao pelo Cinema, e assim, a gente abraça o outro com tanto carinho mesmo sem nunca tê-lo visto.

Sempre me lembro do Leon Cakoff quando assisto a filmes do Abbas Kiarostami e do Akira Kurosawa, quando vou à livraria Imprensa Oficial e vejo exposto o livro 30 anos de Mostra, quando um professor de Cinema cita os diretores Wim Wenders e Manoel de Oliveira, quando lembro da primeira Mostra que participei e assisti ao inesquecível filme Alemão O Tunel, quando desejo ter todo o tempo e dinheiro do mundo para assistir a todas as Mostras... mas lembro muito mais dele quando vejo os seus livros Cinema sem Fim e Filmes da minha vida.

Sabe aqueles livros que dá vontade de colocar bem junto ao coração? Combinam com o seu criador, a de um homem que colocou energia e paixão para fazer com que o Cinema fosse visto por mais gente, o Cinema Nacional e Internacional em solo Brasileiro, o Cinema Universal, de tantos países, de tantas propostas estéticas e almas apaixonadas pela imagem, som e movimento que nos cativam em tantos momentos...Agora vou lembrar dele muito mais; lembrar de Leon Cakoff é lembrar de histórias de gente que faz e ama Cinema, gente como ele, que faz a diferença, que encanta com seu conhecimento e sua ação em contínuo movimento para trazer o melhor do Cinema para o Brasil!

Obrigada, Leon Cakoff. Obrigada por me mostrar o Cinema sem Fim.

Metalinguagem no Cinema: Truffaut, Os Incompreendidos (1959) e Visage (2009)

2011-09-11T15:14:00.023-03:00

Após trinta anos do lançamento de Os Incompreendidos, obra prima de François Truffaut que marca a parceria extraordinária do cineasta com o talento Jean-Pierrre Léaud, o Tailândes Tsai Ming-Liang estreoou o seu longa Face (Visage, 2009) em Cannes, um filme que recupera o mito de Salomé e traz um elenco de peso Francês: a deslubrante top model Laetitia Casta e vários ícones Truffautianos: Fanny Ardant, Jean-Pierre Léaud, Jeanne Moureau, Nathalie Baye, Mathieu Almaric. A narrativa é sobre um diretor que quer filmar a história de Salomé no Museu do Louvre. No cast principal, Fanny faz o papel de uma produtora de Cinema e o mítico Jean-Piere Léaud intepreta a si mesmo como o Rei Herodes, um encontro emblemático que deve ser constantemente contemplado.

Face é um filme metalinguístico por excelência, uma celebração do Cinema através do Cinema, uma evocação das referências cinematográficas Francesas que traz à experiência com o filme o que somente a Sétima Arte poderia realizar: diminuir a zero e com belos côrtes a distância que separam filmes de filmes, fazendo com que nos emocionemos com o poder do Cinema na nossa memória afetiva. O elenco traz os visages (rostos) de vários atores e atrizes que trabalharam com Truffaut, um encontro apoteótico e saudosista.

Uma das imagens selecionadas da bela sequência de Face é um poderoso exercício metalinguístico em Truffaut. Acompanhamos na cena Fanny Ardant filmada em um ângulo de câmera baixa e estática que remete a como Truffaut enquadrou algumas cenas com a beleza sedutora de suas mulheres; mais adiante contemplamos a atriz encantados pela nostalgia cinematográfica em cena: Ela folheia um flipbook de Léaud em Os Incompreendidos, uma tomada criativa de profunda comoção à medida que o rosto de Léaud se aproxima em close e lembramos do jovem incompreendido e rejeitado pela família. Mais esplêndido é o corte desta cena, um corte cronológico de trinta anos na vida real, porém narrativo de microsegundos. Lá está Jean-Pierre Léaud, mais velho e agindo como um rei louco, o Grande Herodes. E, em mais um momento sublime, um corte para a fotografia de Truffaut, envolvido por uma aura carismática, dentro de um livro, que foi uma das suas grandes paixões. A criatura Léaud dá espaço para nos apaixonarmos pela figura de seu criador e pelo poder metalinguístico no Cinema.

Fanny Ardant e Jean-Pierre Léaud, para sempre lembrados através de Truffaut.

Assista o trailer de Face

Cinema & Publicidade: Charlize Theron meets Grace Kelly, Marlene Dietrich and Marilyn Monroe

2011-09-09T03:10:00.013-03:00

Somente uma marca luxuosa como Dior poderia unir a beleza de divas do Cinema em uma propaganda arreabatadoramente atemporal. A atriz Charlize Theron, rosto oficial do perfume J'adore, foi filmada no esplêndido Palácio de Versailles por Jean-Jacques Annaud e teve o privilégio de encontrar Grace Kelly, Marlene Dietrich e Marylin Monroe nos bastidores de um desfile fabuloso. Mais uma vez, a publicidade bebe da fonte das deusas da Sétima Arte e divulga mundialmente uma campanha de deslumbrante elegância e requinte. A idéia de unir um elenco estelar com lendas do Cinema Clássico evoca o poder da imagem audiovisual que, com um mero corte, é capaz de unir tempo e espaço, vida e morte, refinamento e beleza de diferentes e inesquecíveis épocas e, novamente, o Cinema e a Publicidade.

Cinema e Música: Wagner Moura, O Renato Russo do Cinema Brasileiro

2011-09-04T12:09:00.046-03:00

Uma escolha recorrente que deu muito certa em dois filmes recentes do Cinema Brasileiro Vips e O Homem do Futuro foi colocar seus protagonistas, respectivamente Carrera e Zero, interpretados pelo carismático e talentoso ator Wagner Moura para cantar Renato Russo e sua atemporal e saudosíssima Legião Urbana, dessa forma, trazendo à narrativa um momento nostálgico e arrebatadoramente contagiante para a platéia. Não foi só o Cinema que celebrou o quão incrível é relembrar a banda de Rock Brasileira que deixou saudades, mas recentemente até a publicidade, ao lançar o comercial da Vivo para o Dia dos Namorados, fez uma homenagem aos Eduardos e Mônicas de todo o país. Certamente, não haverá surpresas se surgirem novas películas ao som da banda, afinal, Legião Urbana nunca vira clichê, sempre é um momento único da música Brasileira.

Wagner Moura já pode ser chamado carinhosamente de o "Renato Russo do Cinema Brasileiro". Ele tem toda a pegada de ser querido, engajado e um grande ator do Cinema Nacional, que consegue se jogar na interpretação e dar muita vida aos personagens, logo é intenso e divertido vê-lo dançando e cantando como se fosse o próprio cantor-poeta. A forma como as cenas são dirigidas por Toniko Melo (em Vips) e por Claudio Torres (em O Homem do Futuro) projetam aquela idéia de envolvimento com a cena e com a música, é como estar em um show particular com Wagner Moura, erguendo os braços, batendo palmas e cantando junto com ele em uma festinha descolada, descontraída e nostálgica; é como imaginar que todos no set de filmagem começaram a pular e cantar em uma só voz e toda esta incrível energia foi canalizada na composição da cena. Ao interpretar canções emblemáticas como Será e Tempo Perdido, é como se naquele momento cinematográfico, a tela se congelasse para que as emoções dos anos 80 e 90 fossem vivenciadas vivamente pelo espectador. Uma tomada do filme se torna igualmente emblemática e dá uma nova direção do significado daquele momento à experiência com o Cinema. A música não saí da cabeça mesmo após a sessão de Cinema. A vontade é levantar da poltrona, cantar e dançar com Wagner Moura, é curtir a música da Legião Urbana continuamente, é viver um novo tempo do Cinema Brasileiro que resgata o que temos de melhor em nossa cultura.

Feliz Dia dos Pais com a Seleção Hot Dads do Cinema

2011-08-14T18:24:00.042-03:00

Bem vindo (a) à Seleção Hot Dads do Cinema por MaDame Lumière, a homenagem do blog aos pais bonitões do Cinema neste Dia dos Pais. A Sétima Arte e a paternidade é uma mistura bombasticamente sensual e bela. Não há como negar como é irresistível e terno um homem ao lado do(s) seu(s) filhos , tanto amor e carinho, tanta proteção e amizade. Mais sexy é quando ele é do Cinema. Confira o time Hot Dads da MaDame com dicas de filmes (negritados de azul). Os Dads foram especialmente selecionados de acordo com o charme sedutor de ser um papy cinematográfico.

10º Tom Cruise

É uma missão impossível não arrastar uma asa para o Dad Top Gun!

9º Javier Bardem

Ser pai é bonito, mas ser Dad Javier é muito Biutiful!

8º Lugar: Hugh Jackman

Com um Dad X-Men deste quilate, um tapinha não dói, as garras são bem vindas.

7º andar: Liev Schreiber

Um Dad tão bom marido como este é digno do Despertar de uma paixão.

6º Lugar : Matthew McConaughey

Pode-se aprender Como perder um homem em 10 dias, contato que ele nao seja Dad M.

5º Lugar: Denzel Washington

Este Dad deixaria qualquer mulher incontrolável ... de amores!

4º Lugar: Robert de Niro

Dad de Niro formaria bons companheiros com toda uma família.

3º Lugar: Ben Affleck

Um Dad como este exerce uma atração perigosa, deixa a mulher fora de controle.

2º Lugar : Jude Law

Um Dad para manter sempre closer e curtir um beijo roubado.

1º Lugar: Brad Pitt

Sonho de consumo: Encontro Marcado com Dad Pitt.

Hall of Fame da Seleçao para o inesquecível Heath Ledger,

um dos Dads mais lindos e saudosos de Hollywood.

Quero matar meu chefe (Horrible Bosses) - 2011

2011-08-13T15:00:00.007-03:00

Pelo menos, alguma vez na vida, alguém já teve vontade de torcer o pescoço do(a) chefe, principalmente se ele(a) não for um(a) líder e sim um(a) chefe hierárquico(a), que manda e desmanda,sem consistência e disposto(a) a não facilitar a vida e carreira do empregado. Por tradição e na maioria dos casos, a relação entre chefe e subordinado é uma relação tensa que potencialmente pode se desdobrar seriamente em conflitos e traumas psicológicos como abuso de poder, assédio moral e sexual, assim como em dramas silenciados e diálogos velados, pois muitas pessoas com a preocupação de manter seus empregos a salvo permanecem calados, acabam se tornando funcionários insatisfeitos com o trabalho e que nutrem uma raiva incondicional por seus chefes.

A nova comédia dirigida por Seth Gordon, cineasta que tem experiência em séries na TV como Community e The Officer, se baseia no argumento de que existem chefes horríveis, psicopatas, doentes e chantagistas que abusam moralmente de seus funcionários e que, no limite desta relação de desafeto e de violência psicológica, os empregados decidem matá-los ou, no mínimo, tem vontade de aniquilá-los. Para um assunto tão dramático e pesado como lidar com chefes do mal e ter a insana idéia de assassiná-los, os roteiristas Michael Markowitz, John Francis Daley e Jonathan Goldstein realizaram um filme leve e divertido que recupera através do non sense como os padrões de chefe ruim se repetem e como é difícil e paralisante lidar com eles, além disso o longa tem uma presença cativante em seu elenco estelar que traz nomes como o de Kevin Spacey, Jamie Foxx, Jennifer Aniston, Colin Farell e o hilário trio central Jason Bateman, Charlie Day e Jason Sudeikis.

A história diversifica os tipos de chefe em questão e expõe as diferentes humilhações e abusos sofridos por seus funcionários. Nick Hendricks (Jason Bateman) trabalha para o mercado financeiro e tem um chefe psicopata e violento, Dave Harken (Kevin Spacey, excelente) que controla cronometricamente seus horários de entrada e saída, cria expectativas de promoção de carreira que inexistem e abusa emocionalmente de Nick. A dentista Julia Harris (Jennifer Aniston) é muito mais do que uma ninfomaníaca, ela comete assédio sexual contra seu assistente Dale Arbus (Charlie Day, ótimo) que se vê perseguido e forçado a transar com ela. Já Kurt Buckman (Jason Sudeikis) é um leal funcionário até que seu bom chefe Jack Pellitt (Donald Shuterland) falece e é substituído pelo filho cheirador de cocaína, Bobby (Colin Farrell). Nick, Dale e Kurt decidem contratar um profissional especialista em assassinatos e conhecem Motherfucker Jones (Jamie Foxx , hilário) em um bar barra pesada.

Para um comédia pautada pelo humor negro e em um roteiro que brinca com assuntos sérios como abuso moral e sexual sem deixar de sinalizar a verdade, Quero matar meu chefe é bem dosado mesmo que perca um pouco do desenvolvimento narrativa nos minutos finais. Ainda assim, ele demonstra algumas facetas já conhecidas em relações de chefe e subordinado que aparecem como: o controle de horários e trabalhos extraordinários que impedem que o funcionário tenha uma vida social e familiar, o interesse sexual com cantadas constrangedoras e sem sentido que intimidam e deixam o funcionário sem graça e chefes que herdaram negócios familiares e não estão nem aí para a direção da empresa, passando a prejudicar funcionáriso da casa e de longa data. Para o gênero, o ótimo elenco contribui muito porque permeia em boa parte de suas atuações o sarcasmo negro que ironiza as cômicas situações. Sem dúvidas, a diversão é garantida com muitas piadas e confusões.

Avalição MaDame Lumière

Título Original: Horrible Bosses
Gênero: Comédia
Diretor: Seth Gordton
Roteiristas: Michael Markowitz, John Francis Daley e Jonathan Goldstein
Elenco: Kevin Spacey, Colin Farell,Jennifer Aniston, Jamie Foxx,Jason Bateman, Charlie Day e Jason Sudeikis

MaDame CineFotografia: E O Vento Levou (Gone with the Wind) - 1939 de Victor Fleming

2011-07-30T19:25:00.011-03:00

"Uma câmera na mão e uma foto de Cinema"

por MaDame Lumière

Clark Gable e Vivien Leigh como Rhett e Scarlett

quando o beijo e o desejo pelo toque desarmam todo o orgulho

O icônico casal cinematográfico Rhett Butler e Scarlett Ohara faz parte da seara de love affairs do Cinema de que, por trás da distância, das contendas, da separação e do orgulho dos amantes,há o desejo latente pelo bem querer, o de estar junto, o do amar e ser amado(a), o de precisar deste alguém que seja o encontro de uma salvação emocional, de um companheirismo necessário, de um romance arrebatador. Em uma época de dor e desespero em plena Guerra Civil Americana, Scarlett amava outro homem, exatamente o comprometido Ashley Wilkes (Leslie Howard), casado com Melanie Hamilton (Olivia de Havilland), sua melhor amiga. Ao deixar a fila andar, Scarlett pisou, pisou e pisou em Rhett, ele também lhe deu um desprezo sob medida para mulheres mimadas e manipulativas como ela, mas no fim de tudo, com alegrias e tristezas, eles foram um clássico e divertido casal, inesquecível nas cenas nas quais o romance e o desejo toma por completo a tela, e o beijo eminente desarma todo orgulho e distanciamento.

Rhett Buttler: "Você deveria ser beijada e frequentemente, e por alguém que sabe como"

Resultado da Promoção Ganhe DVD O último tango em Paris Confira a frase vencedora

2011-07-28T14:41:00.010-03:00

Saiu o resultado da promoção Ganhe 1 DVD do filme O último tango em Paris

e o DVD goes to...

Kamila do blog Cinéfila por Natureza

autora da frase abaixo selecionada por MaDame Lumière.

Por que você quer ganhar o DVD de O último Tango em Paris?

"Porque "O Último Tango em Paris" é um filme sensorial, que mexe com as nossas sensações, pensamentos e sentimentos, sem ter medo de ultrapassar limites na busca pela mostra daquilo que vem de dentro da gente."

Parabéns, Kamila!

Envie o seu nome e endereço completo para o email

madamelumiere@gmail.com

para que eu possa te enviar este maravilhoso clássico

Agradecemos aos que participaram dessa iniciativa.

Em breve mais promoções no MaDame Lumière, afinal, Cinema é o meu, é o nosso Luxo!

MaDame Western: Matar ou Morrer (High Noon) - 1952

2011-07-24T15:52:00.110-03:00

MaDame Western:

Grandes Clássicos Bang-Bang no MaDame Lumière

Em uma das suas atuações mais emblemáticas, Gary Cooper é o delegado recem aposentado Will Kane de Matar ou Morrer, clássico do faroeste dirigido esplendidamente por Fred Zinnermann, com roteiro de Carl Foreman. No dia de seu casamento com a quaker Amy Fowler (Grace Kelly), Kane recebe a notícia de que o implacável bandido Frank Miller (Ian MacDonald) foi libertado da prisão e chegará no trem do meio-dia para vingar-se do xerife. O tenso suspense se aproxima da cidadezinha de Hadleyville já na sequência inicial quando os três capangas de Frank Miller chegam à cidade cavalgando ao som da música tema do filme: Do not forsake, oh my darling, e posteriormente em novas tomadas, são enquadrados à paisana aguardando o comboio na inóspita paisagem do Velho Oeste. O delegado Kane foi o responsável pela detenção de Miller, além de ter se envolvido amorosamente com a bela mexicana Helen Ramírez (Katy Jurado, em excepcional performance coadjuvante), dona do bar e ex-namorada de Frank Miller. Amy tenta convencer o novo marido à fuga, mas Kane permanece na cidade, disposto a contar com a ajuda do delegado auxiliar Harvey Pell (Lloyd Bridges, pai do ator Jeff Bridges) e demais auxiliares para enfrentar o violento bandido e sua gangue, porém nem tudo saí como Kane imagina, ele está sozinho, Hadleyville não está do lado de seu homem da lei.

Basedo na história "The Tin Star" de John W. Cunningham, Matar ou Morrer é um fascinante western, roteirizado, dirigido e editado de forma brilhante, assim como muito diferente da estrutura pura do faroeste Americano, normalmente mais caricata e preconceituosa no trato com as mulheres, índios e negros e com mais ação. High Noon desenvolve mais questões morais que de entretenimento, mais questões sócio-políticas que bang-bang. No longa, o conflito em suspense, o drama psicológico de um herói solitário, o retrato de uma sociedade Americana nos anos 50 são fatores mais relevantes na narrativa do que a corrida por riquezas e a expansão progressista das fronteiras nos Estados Unidos. O filme é muito mais intimista, existencial e, portanto, é um formidável western, mais denso em sua personalidade fílmica e psicológica. O herói interpretado por Gary Cooper é um homem da lei, solitário e destinado a enfrentar o violento inimigo. Mesmo tendo sido o melhor delegado que Hadleyville já teve, Kane não pode contar com seus cidadãos. Sua jornada antes que o relógio toque o meio-dia e o trem apite é buscar auxiliares para ajudá-lo no confronto com Frank Miller. Essa busca por ajuda não é meramente pessoal, para defendê-lo de suas rixas com o bandido, pelo contrário, é uma busca pelo coletivo, motivada pelo zelo por Hadleyville, a de lutar com ela e por ela até o fim. Kane diz à Amy: "Essa cidade é minha. Eu tenho amigos aqui", assim não é só o orgulho de um homem viril que sustenta o embate que se aproxima, mas a corajosa escolha de não abandonar a cidade ao qual se dedicou há anos. A atuação de Gary Cooper é magnífica porque não caí no sentimentalismo e desespero de um delegado em apuros e no machista clichê de um homem da lei. Aqui ele não manda na cidade e não resolve tudo na base do tiro ao alvo, na briga física e na ameaça man datória. Ele tem humildade para buscar auxiliares, para demonstrar que está sozinho e que precisa de ajuda.

Tecnicamente, o longa é uma obra prima, merecedora de seus vários Oscars, entre os quais de melhor ator para Gary Cooper. Excelente direção com belos enquadramentos, poderosos close-ups e planos gerais, e precisos cortes que o tornam um formidável trabalho de montagem assinado por Elmo Williams e Harry Gerstad, com um apurado ritmo temporal. Até o ponteiro do relógio chegar ao meio-dia, a narrativa ocorre em tempo real, com uma fantástica demonstração de como fazer um excepcional Cinema, digno de ser Clássico. O xerife caminha pela cidade nos apresentando os seus personagens: a ida à delegacia, ao saloon, à casa do amigo, à igreja, ao antigo delegado, etc, com isso, a narrativa dá conta de mostrar o microcosmo político desta sociedade Americana, que dá as costas aos seus heróis, sem argumentar muito do porquê da autocensura, sem questionar o terror que os fragiliza e assola. Até hoje, o longa é controverso e rende discussões. Especula-se que é uma alegoria cinematográfica que critica o período de 'Caça às Bruxas' do MaCarthismo nos anos 50, que perseguia grupos favoráveis ao Comunismo e suspeitos de atividades anti-norteamericanas. A censura silenciou e acovardou muita gente, assim como o silêncio dos moradores de Hadleyville. Se esse foi o propósito de Foreman e Zinnermann, o filme é um primor ao executar, com discrição porém colocando luz à covardia da população, a crítica a esse período de Trevas.

Outras virtudes técnicas contribuem para a qualidade diferenciada de Matar ou Morrer: A fotografia de Floyd Crosby, fascinante no plano geral à espera do trem, a proximidade dos trilhos e o fundo das montanhas distantes, cortando para os planos em close de alguns habitantes da cidade e de planos detalhes no relógio e na cadeira de réu é um primoroso trabalho narrativo de direção e cinematografia, um deleite para os admiradores da decupagem clássica do Cinema. Assim como quando Kane fica sozinho à espera de Miller, um travelling no centro da cidade vazio, um corte para o rosto do delegado, posteriormente, outros cortes para os closes dele, de sua esposa e de sua amante e, finalmente, mais adiante, a beleza cinematográfica de um plano com Kane na qual a grua se afasta e lá está ele, mais solitário, único a lutar contra Miller no vazio de Hadleyville. Igualmente a trilha sonora, com a recorrente canção-tema Do not forsake me, oh my Darling de Tiomkin e Ned Washington que se torna um personagem no elenco, acompanhando o herói Kane em toda a via crucis até o confronto final.

As atuações de Grace Kelly, bela e graciosa como sempre, e a imponente e marcante preesença de Katy Jurado reforçam que Gary Cooper estava muito bem acompanhado. As duas simbolizam as duas mulheres da vida do delegado, opostas no semblante e no jeito de ser: Amy, americana, loira, esposa delicada, trajada de figurino claro. Helén, mexicana, morena, ex-amante (e uma suposta grande paixão de Kane), trajada de figurino negro. A primeira, uma quaker, pacifista. A segunda, uma ex-mulher de bandido, corajosa, de passional personalidade. Elas representam um interessante e evolutivo contraponto da presença feminina em comparação aos convencionais westerns, um gênero que é por excelência machista. Logo,em se tratando do gênero faroeste, elas são um avanço da mulher que, agora, colabora para definir os rumos da narrativa de Matar ou Morrer. Basta observar como o encontro de ambas e, posteriormente, a separação, contém o cerne de desdobramentos que são importantes para a ação e para a vida de Kane. Também convém observar que tanto a mulher como o homem permanecem na sequência na igreja, quando as crianças são retiradas e, portanto, a mulher tem direito à palavra assim como o homem, bem diferente das mulheres que cozinham, passam e lavam roupas em acampamentos do Velho Oeste. Matar ou Morrer é muito mais que um simples western, é o cinema faroeste em evolução.

Avaliação MaDame Lumière

Título Original: High Noon
Gênero: Faroeste, Western
Diretor: Fred Zinnermann
Roteirista: Carl Foreman
Elenco: Gary Cooper, Grace Kelly, Katy Jurado, Lloyd Bridges

Metalinguagem no Cinema: Sindicato dos Ladrões (1954) e Touro Indomável (1980)

2011-07-22T14:24:00.022-03:00

A Sétima Arte pela Sétima Arte

O grande mestre Martin Scorsese nunca escondeu a sua admiração pelo formidável Cineasta Elia Kazan, realizador de obrigatórias obras-prima como Sindicato dos Ladrões e Uma Rua Chamada Pecado. No documentário em homenagem a Kazan, Uma Carta para Elia (2010), é a voz e a inteligência enciclopédica de Scorsese que nos conduzem a se envolver afetivamente pela filmografia de Kazan ou, no mínimo, despertam o nosso interesse por seus maravilhosos filmes. Uma das metalinguagens mais sublimes da História do Cinema une no tempo fílmico do espectador duas décadas, a de 50 e a de 80, respectivamente, com duas magníficas realizações, Sindicato dos Ladrões(1954) de Kazan e Touro Indomável (1980). No clássico de Scorsese, o boxeador Jake la Motta (Robert de Niro) reproduz o emblemático discurso do ex- boxeador Terry Malloy (Marlon Brandon) em um dos mais belos, sinceros e dramáticos desabafos da Sétima Arte.

No discurso, frases próprias da decadência de um homem como "eu podia ter classe", "eu poderia ser um competidor" ,"eu poderia ter sido alguém ao invés de um vadio", marcam como Terry e Jake tem dramas existenciais mais parecidos do que a gente imagina, além da emoção do verdadeiro desabafo a Charlie, o irmão de Malloy que poderia ter ajudado o irmão a ser alguém. Essa proximidade entre ambos só enfatiza que o Cinema é um organismo vivo em crescente diálogo através da sua poderosa linguagem. A força da metalinguagem entre essas 2 cenas é tão especial e diferenciada que um espectador só poderá compreendê-la em sua beleza imagética e textual se conhecer bem o clássico de Kazan, se saber que Scorsese fez essa cena para homenagear o maravilhoso Kazan, se está sensível de que o Cinema é toda essa magia atemporal, que nos deixa sem palavras, encantados.

Para assistir à cena de Touro Indomável, clique aqui

72 Horas (The Next Three Days) - 2010

2011-07-18T00:24:00.045-03:00

Paul Haggis, premiado diretor de Crash - No limite está de volta com o remake 72 horas, um dramático thriller estrelado por Russsel Crowe e Elizabeth Banks que atuam como um casal que tem sua vida virada do avesso quando a esposa é incriminada por um assassinato. Baseado no seu antecessor Pour Elle, de Fred Cavayé, o longa é um excelente exemplo de como cidadãos comuns se tornam "foras-da-lei" quando buscam realizar justiça com as próprias mãos, tomados por amor e desespero pela causa. John Brennan (Crowe) é um professor, pai de família e tem uma vida tranquila ao lado da bela esposa Lara (Banks). Em uma manhã como outra qualquer, eles têm a casa invadida por policiais. Começa o pesadelo na vida do casal: Lara é condenada por homicídio e detida em um presídio de segurança máxima.

O roteiro desenvolve uma narrativa que demonstra o anonimato de um homem que chega ao limite quando não há muita esperança para a esposa encarcerada. Tudo é colocado para que esse limite se aproxime. Inicialmente nos planos fílmicos da terrível notícia, há uma brutalidade psicológica e uma invasão da vida privada na forma abrupta como ela foi retirada de casa. Posteriormente, não há como recorrer à sua liberdade. Logo mais, não julgamos as ações de John, somente observamos que ele é um homem apaixonado, sensível e inteligente, obrigado a criar o filho sozinho e a não ter nem mesmo visitas íntimas com a esposa. Também é perceptível que ele se mantém fiel à mulher e dá indícios de uma vulnerabilidade psíquica e emocional. Ele é desgarrado de sua vida conjugal, da completude familiar, com isso, tem brechas para surtar na mais perigosa das intenções: a de elaborar um plano estratético e arriscado para libertar a esposa em 72 horas. Tudo por ela (pour elle), como diz o título do filme de Cavayé.

Para o padrão Paul Haggis de fazer Cinema, 72 Horas não é uma obra cinematográfica capaz de obter o caloroso reconhecimento do público como seus trabalhos anteriores de cineasta e roteirista, porém é um filme dirigido com vigor para o suspense sem se esquivar do drama de um homem que perde o controle, além de trazer esse aspecto mais 'viril,apaixonado e paterno' de Russel Crowe e uma boa trilha sonora com Moby. No geral, ainda que John aja contra a lei, somos envolvidos por esse infortúnio familiar e a não vê-lo como o bandido da história. Pelo contrário, o mal está na deficiente investigação que, propositalmente, não é inserida no roteiro em detalhes, tal que possamos verificar que essa justiça silenciosa também pode condenar inocentes e fazer vítimas na sociedade; ela pode tomar uma decisão errônea e duvidosa que impacta essas vidas para sempre. Na projeção, nós torcemos por John mesmo que não aprovemos suas ações. A reflexão mais inevitável é pensar sobre o desespero e a paixão que leva homens comuns a fazerem loucuras criminais, a refletir se não existem outros Johns por aí, se as Laras são realmente culpadas. Em toda a narrativa, não sabemos se a esposa dele é homicida, talvez ela seja, talvez não. O que vale é a aposta de John, a de acreditar na inocência da mulher. O foco é acompanhá-lo em seu plano de fuga.

Essa é uma história que trabalha a questão da moralidade porque traz em si a essência do que motiva as pessoas a agirem em desacordo com o que elas normalmente são, e o que faz com que algumas sejam julgadas e condenadas por algo que elas não fizeram. O que vemos é um casal que não convive em um ambiente que as corrompe à criminalidade, mas, por uma fatalidade, eles acabam se envolvendo nesse ambiente que desestrutura suas vidas, que os coloca na clandestinidade da sociedade, à margem e distanciados dela como se estivessem em uma nova prisão.

Avaliação Madame Lumière

Título Original: The Next Three Days
Gênero: Suspense, crime, Drama
Diretor: Paul Haggis
Roteirista: Paul Haggis
Elenco: Russel Crowe, Elizabeth Banks, Liam Neesom, Olivia Wilde.

Promoção Cinema O Último Tango em Paris - Concorra a um DVD do Filme

2011-07-16T23:59:00.003-03:00

No início da década de 70, o Cinema recebeu mais uma obra prima em sua História: o belíssimo drama erótico O último Tango em Paris, dirigido por Bernardo Bertolucci e estrelado por Marlon Brando e Maria Schneider. O sucesso foi natural, assim como a censura e a polêmica que acabaram elevando o filme ao status de mais uma provocativa e magnífica obra Cinematográfica.

Participe da promoção de O último Tango em Paris no Blog MaDame Lumiere
Concorra a um DVD novo deste clássico imperdível do Erotismo, respondendo à seguinte pergunta:

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1. Ser residente do território Nacional

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este fantástico filme!

Respostas válidas até 24 de Julho

Resultado será divulgado em 25 de Julho

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O vencedor da promoção deverá enviar o endereço completo para madamelumiere@gmail.com

Cilada.Com (2011)

2011-07-10T17:45:00.072-03:00

Não há pior cilada para um(a) cinéfilo do que assistir a um desastre cinematográfico desnecessário, principalmente no Cinema Nacional, uma seara que tem evoluído e tem muito a acrescentar para ensinar o Brasileiro a pensar e não só a rir desenfreadamente com piadinhas típicas de stand up de programas televisivos. Sabe aquele filme que, mesmo seguindo as receitas prontas de um humor apelativo, clicherizado e machista, consegue um efeito muito distante do bom cinema cômico? Pois é, temos agora uma nova Cilada "Pie" Americanizada made in Brazil, o mais recente exemplo de filme piadista, extensão de produto de consumo de TV a cabo. Ele é Cilada.Com, com roteiro de Bruno Mazzeo e direção de José Alvarenga Jr (de Os Normais), dois profissionais talentosos e experientes em arrancar gargalhadas da plateia porém, desta vez, exageraram no tom e entregaram um filme com excessos: um roteiro que forçou em palavrões, piadinhas sujas, situações forçadas e constrangedoras e no narcisismo do dono da Cilada, Bruno Mazzeo. Nesse aspecto, a primeira pergunta que o bom observador se faz é a seguinte: O que é humor no Brasil atual ? O que é humor no Cinema? O bom Humor é o que é apresentado na fita? O bom humor é depreciar as pessoas, etiquetá-las com estereotipos e encher o texto com baixaria e palavrões ao invés de provocar o público para uma reflexão com o mínimo de inteligência?

Cilada.Com gira em torno de uma grande cilada que se desdobra em outras ciladas. Bruno (Bruno Mazzeo) traí a namorada Fernanda (Fernanda Paes Leme) na mais ridícula e embaraçosa das situações que expoem a amada à uma vergonha assistida pelos convidados de uma festa de casamento. Ela, fazendo jus à pior vingança do mundo: a feminina, vai aos arquivos sexuais do casal e coloca o vídeozinho de uma transa deles na internet. Ao invés de uma trepada show, o que os internautas verão é Bruno transado em menos de 20 segundos na mais triste e egocêntrica das performances masculinas. Sofrerá o rapaz de uma ejaculação precoce? Nessas horas nas quais a intimidade já foi para a web, para quem já está em uma cilada aos olhos e aos risos de milhares de telespectadores, ter ejaculação precoce é um mero detalhe a ser usado para ridicularizar mais ainda o pulador de cerca. No final, a pergunta que se autocalará é: Foi bom pra você?

Seguindo a previsibilidade da massa, o filme faz rir porque está muito aderente ao universo cultural da ala do povo Brasileiro que adora um sarrinho e uma baixaria e cultua as piadas do machismo tão intríseco no humor do país. Aqui, o herói cinematográfico envergonhado em sua intimidade vai tentar provar que é bom de cama ao invés de provar o quanto ama a namorada. Pelo menos, as primeiras iniciativas são buscar comprovar sua virilidade seja pelos testemunhos de ex-namoradas seja pela tentativa de protagonizar uma transa fenomenal sob a lente de um cineasta contratado. Oras, Bruno está disposto a enganar outras mulheres para obter o seu vídeo demonstrativo de machão homo sapiens, afinal o seu umbigo cresce a cada tomada e o seu pênis também quer. Baseando-se nessa premissa, não há como negar que Bruno Mazzeo faz um texto pertinente para atrair os telespectadores que adoram esse tipo de apelo; na sala de projeção, as gargalhadas não parám, só demonstram que mais engraçado do que ver um cara gozar em 12 segundos é gozar da cara dos outros. O povo ri do bafão da bela executiva, da namorada traída na frente da família, da bunda do cineasta obeso e negro, do bizarro comportamento do pai de santo, da cabelereira do chefe da publicidade, da empregada nordestina confundida com uma prostituta, ou seja, todos têm que passar por situações ridículas impregnadas de estereotipos humanos e sociais e fórmulas prontas do mercado do riso de apelação. Só depois do público tirar sarro dos personagens, o herói arrependido se redime no final e tem a benção do amor. E é esse o Cinema Brasileiro que pretende levar milhões de espectadores aos cinemas de forma a gerar o incremento das bilheterias do país? Mais uma cilada para a Sétima Arte.

O filme só tem um efeito positivo: a atuação carismática de Bruno Mazzeo. Mesmo com suas piadas grosseiras, ele tem um estilo sarcástico, sabe atuar e conquistar, sustentando o interessse do público pelo seu personagem. Aliás, Bruno interpreta a ele mesmo e parece ter feito o filme como um projeto que extrapola o pessoal e vai direto à massagem do seu ego na mais profunda das realizações. A direção de José Alvarenga Jr não tinha muito a acrescentar a não ser a experiência prévia com comédias, considerando que a enfâse em Cilada.Com é o seu texto fadado a gerar o riso pausterizado, o riso dejá vu e apelativo, além disso não se pode confundir o longa com uma comédia romântica, pois até algumas delas tem mais bom gosto, carisma e conteúdo do que essa fita que é capaz de gravar gozadas em um centro de terapia para ejaculadores precoce. Logo, o filme não tem muito valor como Cinema (e está bem longe do bom Cinema, ou melhor, é uma aula de Como não fazê-lo após várias conquistas de cineastas Brasileiros nos últimos anos). Ele funciona melhor como um produto de mídia fria que é a Televisão e seu poder alienante sobre o público. Aqui, o povo não tem mais nada a fazer a não ser ficar na passividade rindo à toa, de futilidades já vistas em algum outro programa. Pensar para que? O melhor é rir das baixarias, não é mesmo? Ter um entretenimento ligeirinho como uma transa de 12 segundos. Como disse sabiamente o cineasta Claudio Assis em entrevista à Cult desse mês , é triste ver que no país não há o Cinema de Reinvenção, há muito mais o de violência e o que é continuação da novela das 8 h. Portanto, Cilada.Com é muito mais um produto claro de consumo que não precisa ser exibido na Tela Grande. Seria até mais "nobre" ter ficado como seriado na MultiShow ou como um programa especial na Globo, empresas que patrocinam o longa-metragem, assim elas teriam como mantê-lo dentro de casa, gerar economias para fins mais artísticos, evitando mais uma cilada para o Cinema Brasileiro.

Avaliação MaDame Lumière

Título original: Cilada
Gênero: Comédia
Roteiro: Bruno Mazzeo, Rosana Ferrão
Direção: José Alvarenga Jr
Elenco: Fúlvio Stefanini , Thelmo Fernandes , Fabiula Nascimento,Carol Castro, Bruno Mazzeo, Fernanda Paes Leme, Augusto Madeira, Serjão Loroza

Homens e Deuses (Des Hommes et des Dieux) - 2010

2011-07-03T10:45:00.111-03:00

Vencedor do Grand Prix de Cannes 2010, Homens e Deuses do cineasta Francês Xavier Beauvois tem em sua força narrativa apresentar uma solene atmosfera religiosa, de fé, lealdade e amor a Deus e ao próximo, apoiada por uma contemplativa sequência de planos do cotidiano de oito monges em um monastério durante a Guerra Civil da Argélia nos anos 90. O enredo é sustentado pela questão da escolha do partir ou morrer em um clima de bela dicotomia: a tranquilidade da vida isolada dos monges nas montanhas do Magreb, dedicados a ajudar a comunidade local e viverem em comunhão e a tensão quando são pressionados e ameçados a deixar o país por um grupo de guerrilha da região. A possibilidade de serem assassinados a qualquer momento ou expulsos da pior e mais trágica forma propicia uma crescente tensão na película e, certamente, é a incógnita que sustenta também a curiosidade e a tensão da audiência. Formidavelmente, a ambientação tem a dualidade de ser ao mesmo tempo, o porto seguro dos monges e o lugar hostil na qual eles são estrangeiros e não são mais bem-vindos.

Refeições e reuniões à mesa evidenciam a união, comunhão e decisão consensual dos monges.

Xavier tem uma direção bem realizada considerando à proposta e a estrutura do roteiro. A idéia é colocar a câmera onde ela deve estar, ou seja, na vida bucólica e comunitária de monges na qual vemos, nas tomadas externas, mulheres, homens e crianças doentes e sendo atendidos pelo médico, pastagens com ovelhas e áreas de cultivo, estradas inóspitas com regiões montanhosas e, nas tomadas internas, a rotina e a comunhão dos monges e suas relações com alguns habitantes locais. Dentre as cenas que remetem a essa ambientação bem elaborada, uma delas é um exercício de realizar um sublime Cinema. Ela se destaca por ser belíssima e criar uma metalinguagem dramática com a Pintura e a Música. Assistimos aos monges realizarem a A Última Ceia de Leonardo da Vinci ao som de Cisne Negro de Tchaikovski, um momento de entrega da alma à comunhão, compatível com um adeus, com o prenúncio da traição ou da morte.

Belo trabalho de fotografia sacra. Posição prostada de devoção, oração e obediência, luz que entra por uma janela de clausura. Luz, claridade divina em momentos difíceis.

O cineasta conta com dois atores sensacionais que dão um show de atuação e que tem um protagonismo e importância na fita em função de como seus personagens foram concebidos: Lambert Wilson é Christian, o líder e o mediador dos conflitos para o qual é reservado o papel de representação, influência, diplomacia e conciliação. É ele que conversa com o chefe dos terroristas, com representantes políticos e com o grupo de monges. Michael Lonsdale é Luc, o monge médico para o qual é reservado o papel mais missionário e moral, o de servir sem fazer acepção de pessoas e independente de sua própria fraqueza física já que está muito fragilizado, doente. Por ser o único médico do mosteiro, ele cuida dos monges, da comunidade e até do inimigo, se for preciso, além de ser um personagem carismático, muito leal ao seu serviço no qual aflora o talento excepcional do ator em maravilhosa atuação. Os demais monges coadjuvantes são ótimos e agregam valor à problemática em questão porque cada um tem que tomar uma decisão. A decisão não é puramente individualista, ela tem a ver com o coletivo já que eles vivem em família, a casa deles é o monastério, a vida é a própria missão. Além disso, eles aprenderam a viver tão isolados naquela região, renunciando suas vidas passadas e dedicando-se aos votos de fidelidade àquele estilo de vida. Os diálogos dos coadjuvantes com frases como " minha vida é aqui. Aqui, com você" reforçam que tirar-lhes dali é como tirar-lhes o chão. Os silêncios e olhares contribuem muito mais para o dramático realismo de cada persoangem e a exacerbada trilha sonora de cantos religiosos é bonita e necessária para criar essa ambientação sacra, mas soa cansativa aos ouvidos em determinado avance, exigindo que o expectador aprecie esse tipo de música e esteja sensível à sua função na narrativa.

Excelente elenco cria empatia com o público e sustenta o interesse no filme. Monges à serviço do bem.

Homens e Deuses se enquadra no magnífico Cinema Arte que não serve para qualquer audiência. Isso não é uma afirmação arrogante que desvaloriza o expectador adepto a blockbusters pirotécnicos e filmes facilmente digeríveis, pelo contrário, ela é sincera com o público e baseada na premissa de que cada pessoa tem gosto e grau de tolerância diferentes para cada tipo de Cinema. Quem não gosta de filmes europeus de contexto religioso, mais lento, achará um porre assistir a Homens e Deuses, que lida com conflitos sócio-políticos e é construído por um narrativa de espera que prioriza monges que cuidam do jardim, atendem à comunidade local, realizam suas preces e entregam-se solenemente aos cantos religiosos, unem-se para a refeição como em uma Santa Ceia. O cineasta o dirige para colocar o público nessa atmosfera sacra. Nem todo expectador tem paciência para ver essa beleza cênica e sua relevância estética, narrativa e cenográfica na obra, embora dar-se a oportunidade para assistir a um sublime filme como esse é um exercício de educar o olhar e abrir-se a novas experiências cinematográficas. Nesse sentido, o longa é muito eficaz porque ele coloca o público em um ambientação religiosa que não necessariamente pretende convertê-lo ao Cristianismo, criticar o Islamismo e passar a acreditar e servir a Deus. Existem algumas cenas cuidadosamente preparadas para permitir essa convivência mais diversa, do cristão com o islâmico, do monge com o líder de uma guerrilha. Essas cenas não soam hipócritas, mas dão uma dimensão que, ao fim, o mais importante é ter paz e não guerras, é poder escolher onde estar e o que fazer independente de fronteiras e bandeiras políticas, sociais e religiosas. Infelizmente, o mundo não é assim, os monges não são deuses e vivemos no planeta terra que é mais inferno do que paraíso. Não à toa que o filme é inspirado em uma triste história de desaparecimento dos monges Franceses.

Cenas da vida em comunidade com os habitantes locais reforçam a missão e o dom dos monges para com os próximos, em linha com ensinamentos religiosos.

O fime propicia várias interpretações a depender da experiência e ponto de vista de cada um. Um das interpretações para a fita é que o propósito maior em Homens e Deuses é universal. Ele tem a ver com as escolhas que fazemos na vida em meio às nossas aflições, o que fazemos quando somos pressionados a tomar uma decisão, a seguir um novo rumo na vida deixando para trás pessoas, lugares e vivências que não gostaríamos de abandonar. É um filme que está relacionado à espera, à resiliência, à lealdade, à fé, ao amor e à renúncia, todas virtudes que são bem enfatizadas em qualquer religião e livros de autoajuda, logo não é mérito só do Cristianismo. Por outro lado, uma das interpretações em aberto é a de que os monges nunca serão compreendidos, assim como não são compreensíveis a fé, o amor incondicional, o sacrifício e a escolha de cada um. Baseado em uma história verídica, o filme por si só é um mistério no seu desfecho no qual se questiona até que ponto uma pessoa pode sacrificar a sua própria vida por um ideal e/ou fé. Não há como julgar os monges porque não podemos condenar a fé de ninguém. Talvez eles se achavam deuses, talvez eles se achavam humanos demais, talvez faziam isso mais pelo próximo, talvez faziam isso mais por si mesmos, Xavier deixa em aberto para que o público tome suas próprias conclusões. Ultimamente, servir ao próximo e fazer o bem é algo tão raro que tem sido missão de super herói ou de Deus, além disso a fé e a dedicação de base religiosa exigem a renúncia do individuo, o "morrer para si mesmo e aceitar o autosacrifício". Nesse contexto, talvez ser humano é ser propriamente um tipo de Deus aqui na Terra. Enfim, opiniões diversas à parte, não há como negar que o diferencial de Homens e Deuses é seu tratamento cinematográfico: com primor, com existencialismo, com solenidade. Ter a oportunidade de ver e refletir sobre um filme Arte como esse é como disfrutar um manjar dos Deuses, é como questionar a própria humanidade.

Avaliação MaDame Lumière

Título Original: Des Hommes et de Diexu
Gênero: Drama
Diretor: Xavier Beauvois
Roteirista: Xavier Beauvois
Elenco: Lambert Wilson, Michael Longsdale, Olivier Rabourdin

A Professora de Piano (La Pianiste - 2001)

2011-07-02T11:30:00.004-03:00

Uma produção cinematográfica que tem status de obra de Arte está além de sua função meramente degustativa e contemplativa. Ela exige um comportamento ativo do público: o de capturar a mensagem do filme e o quanto ela é um espelho da realidade circundante, ou seja, observar e permitir-se sentir o quanto a mensagem é efetiva e agregadora para uma reflexão existencial e do mundo. Esse exercício de olhar o Cinema como um espelho pessoal e coletivo assim como prolongar a experiência cinematográfica com suas mais variadas e enriquecedoras ressonâncias é uma das mais belas dádivas da Sétima Arte. Quando o filme aborda uma temática provocativa que é primorosamente bem desenvolvida na direção, roteiro e atuação, esquecê-lo é impossível, reconhecer-se nele é factível. A ousadia do argumento é como tocar no vespeiro da complexa mente humana com seus mais ocultos medos, desejos. Dentro da gama desses filmes polêmicos, está A professora de Piano (La Pianiste), de Michael Haneke, cineasta Alemão mundialmente reconhecido por filmes como Caché, Violência Gratuita e A Fita Branca.

Baseado no contundente romance homônimo de Elfriede Jelinek, o longa traz a magnífica Isabelle Huppert atuante no difícil e denso papel de Erika Kohut, uma madura e solteira professora de piano, que vive com a castradora mãe (Annie Girardot) e tem tendências sadomasoquistas. A escolha de uma professora de piano é muito aderente pois, em teoria, é esperado que qualquer professor com esse ofício seja culto, refinado, discreto, adepto dos "bons" comportamentos. Erika mostra uma outra faceta: o lado de mulher má em dose dupla - o de mal comida e o de pervertida. Ela se envolve com o aluno Walter Klemmer (Benoît Magimel) com o qual desenvolve uma relação complicada e psicologicamente violenta. O drama é conduzido de forma a enfocar como se comporta a professora de piano, uma mulher de complexa densidade psicológica, que por trás da máscara de uma talentosa pianista que não conseguiu uma carreira de estrelato, oculta uma mulher solitária, problemática, de constantes hábitos de perversão sexual e incapaz de ter relaciomentos construtivos. Ao se apaixonar por uma sadomaso como Erika, Walter sofre na mão dela e a relação tumultuada traz graves consequências, o que é formidavelmente perceptível e bem construído na mudança comportamental de ambos. Ao fim, Erika Kohut é uma mulher repreendida em seus desejos sexuais, perdida em si mesma, um mistério a ser revelado, uma alma que precisa de compaixão.

Definitivamente, muito do êxito da película se deve a combinação formidável: Haneke e Huppert. O cineasta coloca sua câmera onde ela deve estar de acordo com sua marca pessoal: tomadas estáticas. Ele também mantém alguns recursos que lhe são bem próprios como a montagem da sequência inicial na qual ele alterna cenas do filme com cortes para a tela escura, a naturalidade na direção de cenas polêmicas, de forte apelo violento como as brigas físicas entre Erika e sua mãe e sexuais entre Erika e Walter e o preciso uso do tempo cinematográfico nessa película. A câmera voyeur testemunha, observa, registra, logo não é necessário dizer mais nada, Haneke está no controle do action. Huppert está em cena em estado de obscura graça. Com ela, todo o erotismo doloroso de uma mulher de desejos reprimidos que gosta de observar pornografia, de mutilar suas partes íntimas, de provocar um homem sem finalizar o ato sexual, entre outras taras. É muito evidente a estética de Haneke nos longos planos-sequências porque ele quase não move sua estática câmera, o que possibilita o público ser voyeur e sentir o teor dramático e erótico da atuação silenciosa, na qual palavras não são necessárias. Ela é posicionada para encarar Erika em seus momentos de silêncio e perversão, para encarar Walter em seus momentos de obsessiva paixão, para filmar a beleza do toque das mãos nas teclas do piano, para registrar o quanto a mãe da pianista é uma velha sufocante. Quanto à fotografia, essa é bem combinada com a direção, pois a câmera de Haneke é posicionada exatamente em enquadramentos que primam pelo apuro senso estético. A trilha sonora de música clássica funciona como um fundamental personagem coadjuvante que provê intensidade dramática e beleza melódica à narrativa, mas também suaviza o forte conteúdo temático do filme.

A professora de piano faz um zumbido na cabeça por dias. É o tipo de filme forte e cru que se torna memorável por ter uma protagonista bem desenvolvida com densidade psicológica. Erika é intrigante e por sê-lo assim, ela é a personagem que serve para desmascarar o oculto que está na sociedade. Afinal, todos têm desejos que são castrados diariamente pela convencional sociedade que rejeita, julga e condena os 'esquisitos' como Erika. Com a excepcional atuação de Isabelle Huppert que tem uma entrega total ao personagem, o filme desafia cada um a pensar quem é Erika, porque ela age assim, como é a sua vida, o que ela sente, o que será de sua vida. É complexo compreender como funciona o psicológico de uma sadomasoquista que simplesmente já começa a ter uma relação assim com a própria mãe, ilustrada em cenas de embate físico e oral. Ela não suporta o controle da mãe e parece odiá-la a ponto de chamá-la de puta, porém ao mesmo tempo é a mãe que está ao seu lado, que se preocupa com a filha, que cria um laço de co-dependência. Esse é um aspecto interessante nessa relação porque a mãe de Erika não tem nome, ela é simplesmente a Mãe. Sob o ponto de vista psicanalítico, pode se dizer que a mãe, enquanto uma instituição de poder familiar e matriarcal, é uma entidade social, mandatória, rígida. Ela pode seria ser um pai, um governo, uma cultura, um individuo qualquer, uma sociedade que repreende os libertários desejos de uma pessoa. Além do mais, o comportamento sádico depende do masoquista e vice-versa. Um não existe sem o outro. O sadomasoquismo é uma relação que muitos tem com as instituições castradoras do cotidiano. Precisam delas, sofrem com elas, obtem os prazeres com elas e, também, as dores. Essa ambiguidade de sentimentos e atitudes também permeia as relações de Erika as quais ela não consegue desenvolver, assim sendo, as relações de Walter e Erika e de Erika e sua mãe são apenas artifícios para mostrar que cada individuo precisa de amor e prazer e o que encontra é dor e frustração ao lidar com suas paixões e repressões em um inevitável situação de incomunicabilidade e não realização. Ao analisar essas relações, percebe-se que eles são incapazes de se entenderem. Tendo em vista essa complexidade psicológica, o longa é um primor porque ele faz uma crítica social especificamente à Sociedade Européia, crítica que pode ser aplicável a qualquer sociedade castradora, que cada vez mais é feita de individuos problemáticos e necessitados de libertação dos mais profundos desejos.

Avaliação MaDame Lumière

Título original: La Pianiste
Genero: Drama
Roteiro: Michael Haneke
Direção: Michael Haneke
Elenco: Isabelle Huppert, Benoît Magimel, Anne Girardot

MaDame Lumière, orgulho de ser blogueira cinéfila, proud of be a LAMB

2011-06-27T23:43:00.005-03:00

Está vendo esse cordeirinho na foto?

Essa é a MaDame Lumière em formato de membra associada da The Lamb, The Large Association of Movie Blogs. Sou a Lamb#987, marcada mais ainda pelo amor ao Cinema em 25 de Junho .

Juntei-me ao rebanho após ser escolhida pela associação e estou muito feliz pelo reconhecimento.

Essa é uma conquista não só minha, mas de várias pessoas, leitores, cinéfilos amigos e profissionais do Cinema que fazem minha vida um constante aprendizado cinematográfico movido por um compartilhar inspirador e divertido de experiências. Através do MaDame Lumière conheci pessoas maravilhosas,cinéfilos de várias partes do Brasil, isso é muito gratificante e apaixonante, me dá uma força incrível para atualizar o blog em meio à correria e trazer o melhor para o leitor.

Incentivo os blogs Brasileiros de Cinema a serem reconhecidos pelo The Lamb, assim podemos divulgar a Arte do Cinema para os falantes de língua portuguesa e outros estrangeiros que tenham interesse em conhecer a blogosfera cinéfila made in Brazil. Pode parecer algo simples e simbólico participar de uma associação, porém ela tem um valor imensurável, o de criar uma comunidade nacional e internacional de pessoas que amam a Sétima Arte e isso não tem preço.

Com esse reconhecimento, espero que mais e mais pessoas aprendam a amar o Cinema como eu também o amo.

Um grande abraço da MaDame Lumière